Billboard Bolivia Noviembre 2021

NATTI

NATASHA

LOLA ÍNDIGO

KAROL G

DURAN DURAN

ABRAHAM

MATEO

LIVES

Blade

Orgasmo

Gary Suárez

Daddy Yankee

EL PADRINO

ISSN 2344-9276 · Año 1 · Nº 3· Noviembre 2021

DATOS DE LA SEMANA 20.11.2021

Summer Time: Walker llega al N°1

S

ummer walker obtiene tanto

su primer N° 1 en el Billboard

200 como su canción más alta

en el Billboard Hot 100. En el

primero, el segundo álbum de

estudio de la nativa de Atlanta de 25 años, Still

Over It, llega con 166.000 equivalentes a álbumes

equivalentes en los Estados Unidos durante

la semana que finalizó el 11 de noviembre, según

MRC Data. Es el primer conjunto de R&B de

una mujer que encabeza el Billboard 200 desde

que A Seat at the Table de Solange encabezó el

chart el 22 de octubre de 2016.

Respecto a Still Over It, sus unidades de

streaming-álbumes equivalentes representaron

153.000 del total (lo que equivale a 201.1 millones

de transmisiones a pedido de las pistas del

álbum, un récord para un R&B establecido por

una mujer), mientras que las ventas de álbumes

representan 12.000 y la pistas-unidades de álbumes

equivalentes constituyen los 1.000 restantes.

El álbum sigue al EP 2020 de Walker, Life on

Earth (llegó al N° 8), y a su álbum debut de estudio

de 2019, Over It (No. 2). Walker también

suma 18 canciones en el Hot 100, todas de Still

Over It, y empata a Taylor Swift (el 7 de septiembre

de 2019, Lover entró en la cima del Billboard

200) a la mujer artista con más canciones en el

chart en simultáneo en los 63 años de historia de

la lista. “No Love”, con SZA, lidera en el N° 13,

debutando como el éxito más alto de Walker y superando

su N° 16 en “Playing Games” en 2019.

Walker rompe su propio récord de la mayor

cantidad de top 10 simultáneos en Hot R&B

Songs por una mujer, ya que siete de las pistas del

nuevo álbum aparecen en el nivel, lideradas por

“No Love” en el N°2.

Anteriormente había tenido hasta seis top 10 juntos

(19 de octubre de 2019), al mismo tiempo que el

debut en las listas de Over It .—KEITH CAULFIELD

BILLBOARD.BO

3

H

HOT 100

DATOS DE LA SEMANA DEL 20.11.2021

27

RYAN HURD WITH

MAREN MORRIS

“Chasing After You”

2 WKS.

AGO

LAST

WEEK

THIS

WEEK

24 22 21

23 21

22

11 15 23

- 10

24

37 25 25

43 29 26

D A T A F O R W E E K O F 10.09.2021

TITLE CERTIFICATION

PRODUCER (SONGWRITER)

IF I DIDN’T LOVE YOU

M.KNOX (J.MORGAN,

T.KENNEDY, K.M.ALLISON, L.VAUGHAN)

TAKE MY BREATH

MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND

(A.TESFAYE, A.BALSHE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER)

Jason Aldean & Carrie Underwood

MACON/CAPITOL NASHVILLE/

BROKEN BOW

15 10

The Weeknd

6 8

XO/REPUBLIC

FAIR TRADE Drake Feat. Travis Scott

OZ, J.A.SWEET, PATRON, TRAVIS SCOTT, WONDAGURL (A.GRAHAM, TRAVIS SCOTT, O.YILDRIM, J.A.SWEET,

E.N.OSHUNRINDE, R.S.ANTOINE, C.DAY WILSON, BABYFACE, T.HALM, V.J.L.WADE, D.EMILE II, B.L.BANKS, M.O.GORDON, K.F.MOSOV)

OVO SOUND/

REPUBLIC

3 4

THATS WHAT I WANT Lil Nas X

10 2

COLUMBIA

O.FEDI, B.SLATKIN, R.B.TEDDER, KBEAZY

(M.L.HILL, O.FEDI, B.SLATKTIN, R.B.TEDDER, K.C.BACH)

TRAITOR Olivia Rodrigo

D.NIGRO (O.RODRIGO, D.L.NIGRO)

GEFFEN/INTERSCOPE

COLD BEER CALLING MY NAME Jameson Rodgers Feat. Luke Combs

C.FARREN, J.D.MITCHELL (J.RODGERS,

H.PHELPS, BRETT TYLER, A.VANDERHEYM)

Artist

IMPRINT/PROMOTION LABEL

RIVER HOUSE/

COLUMBIA NASHVILLE

PEAK

POS.

WKS. ON

CHART

9 19

26 13

LATTO FOTO: MARCELO CANTU HURD: NICK \ ADELE FLETCHER. FOTO: DRAKE: SIMON COURTESY EMMETT OF REPUBLIC \ RECORDS.

CARRIE UNDERWOOD FOTO: FACEBOOK \ BRUNO MARS FOTO: GENTILEZA WARNER

he 34-year-old

alamazoo, Mich., native’s

rst Hot 100 entry also

olds its No. 4 high on the

ot Country Songs chart.

ow did “Chasing After You”

ome together?

YAN HURD It’s an older song

hat was on hold for other artists.

n Nashville, everybody knew the

ong from it being played at writrs’

rounds. The fact that it fell

o me and [spouse] Maren, we

till can’t believe it. I’m proud of

ongwriters] Brinley Addington

nd Jerry Flowers — I’d never

eard anything in Nashville like it

efore. It has that guitar part that

ollows the vocal melody, and it

akes the entire song.

4

DRAKE

FEAT. FUTURE AND

YOUNG THUG

“Way 2 Sexy”

he song becomes

rake’s recordxtending

and miletone

40th No. 1 on the

ainstream R&B/Hipop

Airplay chart. He

ow has twice as many

aders as runner-up

il Wayne.

2 WKS.

AGO

How has writing songs

for others shaped your

own solo career?

I put my first music out as an

artist in 2017. I had to learn so

much between then and now.

Going from being a staff writer

in Nashville and having a couple

of hits under my belt, you think

that’ll translate into either people

giving a shit about your career

or into actually being a good

artist. The fact is, songwriting and

being a recording artist have very

little to do with each other.

LAST

WEEK

THIS

WEEK

17 14 11

12 12 12

13 9

13

16 17 14

Tell me the story behind

your debut album title,

Pelago [out Oct. 15].

I wrote “Coast” with Aaron Eshuis,

and it was a hard song to get

right. We needed a placeholder

word that rhymed with Chicago.

We said “pelago,” not knowing

anything. Then we realized this

is the exact word we needed. It

means open sea and overwhelming

passion [in Latin], and those

two themes run through the

entire album. It just clicked.

- 71 37 STM LEOR, HAZE, CHEESE

NEVER BROKE 37 2

(K.D.GAULDEN, L.SHEVAH, E.HAYES, J.GOLDBERG) AGAIN/ATLANTIC

Lo sabía. Soy joven y no conocía “Genius of Love” de Tom Tom Club. Solo sabía

que era una mezcla de TOO trap y EASY pop y que traería una nueva Gunna audiencia & Future a mi carrera.

NEW 38 WHEEZY, S.MOMBERGER (S.G.KITCHENS,

GUNNA/YOUNG 38 1

Tomó meses obtener la N.D.WILBURN, autorización W.T.GLASS, antes S.MOMBERGER) de que pudiéramos STONER hablar LIFE/300 sobre un

—JESSICA NICHOLSON lanzamiento, pero me gusta mantenerme artístico y preocuparme por mi trabajo.

No voy LEAVE BEFORE YOU LOVE ME Marshmello X Jonas Brothers

32 a contenerme 26 39 musicalmente porque algo en el lado comercial podría

MARSHMELLO, ALESSO, HEAVY MELLOW, N.GALE (MARSHMELLO, P.J.PLESTED, N.J.GALE,

JOYTIME COLLECTIVE/ 19 no 19

funcionar.

R.P.B.BOARDMAN, P.BOWMAN, W.E.VAUGHAN, A.R.R.LINDBLAD, E.ROMANO, C.ARNOLD, G.MARROW, D.MARTIN)

REPUBLIC

TITLE CERTIFICATION

Artist ¿Qué significa NEW para 40 TNTXD, ti tener DMAC, EINER “Gran BANKZ, Energía”?

CHEESE (K.D.GAULDEN,

NEVER BROKE 40 1

PRODUCER (SONGWRITER)

IMPRINT/PROMOTION LABEL

T.HORTON, D.H.MCDOWELL, E.BANKZ, J.GOLDBERG)

AGAIN/ATLANTIC

Tomé esta cita masculina y moderna de “big dick energy” de Twitter y la convertí

ESSENCE Wizkid Feat. Justin Bieber & Tems

PEACHES 2 Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon

P2J, LEGENDURY BEATZ (A.I.BALOGUN,

11 13en algo 40 en el 36 que 41 todos

STARBOY/RCA

HARV, los SHNDO géneros (J.D.BIEBER, pueden A.WOTMAN, G.D.EVANS, tener B.HARVEY, “gran energía” y llevarlo RAYMOND más 1 28

R.ISONG, O.E.ONIKO, U.E.ONIKO, T.OPENIYI, J.D.BIEBER)

allá de [algo] sexual. Quería

L.M.MARTINEZ

que

JR.,

fuera

L.B.BELL, F.KING,

empoderador,

M.S.LEON, K.YAZDANI,

es

A.SIMMONS)

un aura que

BRAUN/DEF

llevas

JAM

y una

SAVE YOUR TEARS 3 The Weeknd & Ariana Grande confianza. Es solo una

FAMILY

vibra general

TIES

y cuando Baby entras Keem en & la Kendrick habitación, Lamar tienes una

MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND (A.TESFAYE,

1 42 25

38 42

A.BALSHE, J.QUENNEVILLE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER, A.GRANDE)

XO/REPUBLIC “gran energía” y nadie BABY puede KEEM, CARDO decirte ON THE BEAT, OUTTATOWN, lo contrario. ROSELILAH, DEATS, J.L.HARRIS, Es edificante. FRANKIE BASH —RANIA BABY KEEM/ ANIFTOS 18 5

(H.CARTER JR., K.L.DUCKWORTH, R.LATOUR, T.DEKKER, R.L.BACHA, D.PATRZEK, J.L.HARRIS, C.FRANKEN) PGLANG/COLUMBIA

MONTERO (CALL ME BY YOUR NAME) 3 Lil Nas X

1 27

COLUMBIA

TAKE A DAYTRIP, O.FEDI, R.LENZO

(M.L.HILL, D.M.A.BAPTISTE, D.BIRAL, O.FEDI, R.LENZO)

SHIVERS Ed Sheeran

14 3

ATLANTIC

E.SHEERAN, STEVE MAC, FRED

(E.C.SHEERAN, J.MCDAID, STEVE MAC, K.LAVELLE)

15 16 15 HEAT WAVES Glass Animals

21 18

16

D.BAYLEY (D.BAYLEY)

WOLF TONE/POLYDOR/REPUBLIC

NEED TO KNOW Doja Cat

DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD)

KEMOSABE/RCA

10 13 17 GIRLS WANT GIRLS Drake Feat. Lil Baby

18

19 18

30 20 19

50 35 20

OZ, AMBEZZA (A.GRAHAM, D.A.JONES, O.YILDRIM, M.D.LIYEW)

OVO SOUND/

REPUBLIC

YOU RIGHT Doja Cat & The Weeknd

DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD, A.TESFAYE)

KEMOSABE/RCA

BEGGIN’ Maneskin

L.FABBRI (P.FARINA, B.GAUDIO)

SONY MUSIC LATIN/ARISTA

WOCKESHA Moneybagg Yo

YC, REAL RED, J.ROCKAMORE (D.D.WHITE, JR., E.B.JORDAN,

M.DEBARGE, C.PEARSON, J.D.NELSON, J.ROCKAMORE)

CMG/N-LESS/

INTERSCOPE

PEAK

POS.

WKS. ON

CHART

15 37

14 16

2 4

11 14

19 14

20 23

39 32 27

NEW 28

34 27

29

20 23 30

CHASING AFTER YOU Ryan Hurd With Maren Morris

A.ESHUIS, T.REIMER (B.ADDINGTON, J.FLOWERS)

ARISTA NASHVILLE

BAD MORNING YoungBoy Never Broke Again

DUBBA-AA, M.LAURY, THE LOTTERY

(K.MATTOX, A.LOCKHART, M.LAURY, W.G.MOSLEY JR.)

27 22

28 1

NEVER BROKE

AGAIN/ATLANTIC

La segunda

entrada Hot 100

CARBON FIBER/SONY de MUSIC la nativa

LATIN/THE ORCHARD

de Atlanta de

22 años también

alcanza GEFFEN/ un nuevo

INTERSCOPE

N° 9 en la lista de

Rap Airplay.

PEPAS Farruko

IAMCHINO, V.CARDENAS, SHARO TOWERS, K4G, GHETTO (C.E.REYES-ROSADO, F.J.MARTINEZ, M.G.PEREZ,

K.QUIROZ, A.BAUZA, A.R.QUEZADA FULGENCIO, V.A.CARDENAS OSPINA, J.M.GOMEZ, J.C.GARCIA)

DEJA VU Olivia Rodrigo

D.NIGRO (D.L.NIGRO, O.RODRIGO,

T.SWIFT, J.M.ANTONOFF, A.E.CLARK)

36 28 31 HAPPIER THAN EVER Billie Eilish

FINNEAS (B.E.O’CONNELL, F.B.O’CONNELL)

DARKROOM/INTERSCOPE

26 10

3 26

11 9

NEW 32 YOUR HEART Joyner Lucas & J. Cole 32

PALAZE, LC BEATS, HAGAN (G.M.LUCAS, ¿Cómo JR., J.COLE) surgió “Big TWENTY Energy”? NINE

1

31 33 33

Volé a Los Ángeles durante un mes

LEAVE THE DOOR OPEN 2 Silk Sonic (Bruno Mars & Anderson .Paak)

BRUNO MARS, D’MILE (BRUNO MARS,

y cambié mi espacio para tener una 1 30

AFTERMATH/ATLANTIC

B.ANDERSON, D.EMILE II, C.B.BROWN)

nueva inspiración. Fui al estudio un día,

26 31 34

HURRICANE

y mis representantes Kanye de A&R West dijeron:

K.WEST, BOOGZDABEAST, M.G.DEAN, DJ KHALIL, RONNY “Tenemos J, OJIVOLTA (K.O.WEST, este A.TESFAYE, ritmo, D.A.JONES, J.GWIN, pero G.O.O.D./ no creo 6 5

K.ADBDUL-RAHMAN, R.O.SPENCE JR., M.G.DEAN, R.CUBINA, M.WILLIAMS, M.MBOGO, D.SEEFF, S.BARSH, J.MEASE) DEF JAM

que te vaya a gustar”. Lo tocaron y

me encantó. Definitivamente A-O-K me sacó de mi zona de confort. Lo Tai probé Verdes tres días

46 39 35 A.FRIEDMAN (T.J.COLON,

35 13

diferentes antes de tenerlo ARISTA

A.FRIEDMAN, en el M.T.KONIJNENBURG, bolsillo. Solo B.W.BRUNDAGE) tienes que ser paciente. La música no

siempre es una ecuación matemática mecánica, donde uno más uno es igual a dos.

Es cuestión BUTTER BTS

14 de 24 no 36 darse por vencido, con un poco de suerte.

1 19

R.GRIMALDI, S.KIRK, R.PERRY (J.ANDREWS,

R.GRIMALDI, S.KIRK, RM, A.BILOWITZ, S.GARCIA, R.PERRY)

HYBE/BIGHIT

MUSIC/COLUMBIA

¿Sabías de inmediato que ON sería MY un SIDE éxito? YoungBoy Never Broke Again

62 54 43

49 45 44

38

34 45

NO WHERE YoungBoy Never Broke Again

MEMORY I DON’T MESS WITH Lee Brice

B.GLOVER, K.JACOBS, L.BRICE (L.BRICE, B.MONTANA, B.DAVIS)

CURB

43 10

LATE AT NIGHT Roddy Ricch

20 17

ATLANTIC

MUSTARD, GYLTTRYP (R.W.MOORE, JR.,

D.I.MCFARLANE, S.R.KHAN ZAMAN KHAN)

THINGS A MAN OUGHTA KNOW Lainey Wilson

J.JOYCE (L.WILSON, J.D.SINGLETON, J.NIX)

BROKEN BOW

COLD HEART (PNAU REMIX) Elton John & Dua Lipa

98 74 46 SAL

64 44

47

63 79 48

56 53 49

- 80 50

N.LITTLEMORE, P.MAYES, S.LITTLEMORE, C.THOMAS, G.DUDGEON

(E.JOHN, B.J.P.TAUPIN, P.MAYES, N.LITTLEMORE, S.LITTLEMORE)

MERCURY/EMI/

INTERSCOPE

MEET ME AT OUR SPOT THE ANXIETY: WILLOW & Tyler Cole

W.SMITH, T.COLE (T.COLE, W.SMITH)

MSFTSMUSIC/ROC NATION

LIFE SUPPORT YoungBoy Never Broke Again

SMASH DAVID, SMPLGTWY, RAVIS, STUNNER SAMPLES

NEVER BROKE

(K.D.GAULDEN, S.D.JIMENEZ, M.SAMUELS JR., T.TATAD, M.MORA, J.GOLDBERG) AGAIN/ATLANTIC

I WAS ON A BOAT THAT DAY Old Dominion

S.MCANALLY, OLD DOMINION (M.RAMSEY, T. ROSEN,

W.SELLERS, G.SPRUNG, B.F.TURSI, S.MCANALLY, J.OSBORNE)

ARISTA

NASHVILLE

LOVE NWANTITI (AH AH AH) CKay

CKAY, TEMPOE (C.EKWEANI, A.M.CHIGOZIE)

CHOCOLATE CITY/ATLANTIC

32 20

46 4

44 3

48 3

49 13

50 2

SALES, AIRPLAY &

THE WEEK’S MOST POPULAR CURRENT SONGS ACROSS ALL GENRES, RANKED BY RADIO AIRPLAY AUDIENCE IMPRESSIONS AS MEASURED BY MRC DATA, SALES DATA AS COMPILED BY MRC DATA AND STREAMING ACTIVITY DATA BY ONLINE MUSIC SOURCES TRACKED BY MRC DATA. SONGS ARE DEFINED AS CURRENT

STREAMING DATA

IF THEY ARE NEWLY RELEASED TITLES, OR SONGS RECEIVING WIDESPREAD AIRPLAY AND/OR SALES ACTIVITY FOR THE FIRST TIME. SEE CHARTS LEGEND ON BILLBOARD.COM FOR COMPLETE RULES AND EXPLANATIONS. © 2021 BILLBOARD MEDIA LLC AND MRC DATA INC. ALL RIGHTS RESERVED.

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R

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Billboard Bolivia 2021. Prohibida la reproducción total o parcial de los artículos sin la previa

autorización del director. El material periodístico es de absoluta responsabilidad de sus autores.


Contenidos

CHARTS

3 Summer Time: Walker llega al N°1

en el Billboard Hot 100.

INTRO

13 Latin Grammys 2021: Camilo brilló

en la noche latina.

ENTREVISTAS Y PERFILES

20 Damián Amato

22 Fernando Moya

24 Agustín Dusserre

28 Ally Brooke

32 Daddy Yankee

41 Karol G

42 Natti Natasha

48 Lola Índigo

60 Abraham Mateo

62 Danny Ocean

64 T1419

66 Alejandro Santamaría,

Ovy On The Drums y Adso

68 Marama

70 Fuego

72 Duran Duran

74 Natalie Pérez-Guaynaa

Lives

54 Young Blade

56 Orgasmo

58 Gary Suárez

74 Álbumes del mes

76 Bodas de Oro – 50 Años de

Álbumes Clave: Led Zeppelin IV, Led

Zeppelin

Especiales

13 Gran presentación de Billboard en

Santa Cruz de la Sierra

-

EN LA TAPA

Daddy Yankee fotografiado por

Jai Lennard

-

FOTO: SAMI DRASIN


Intro

Nicki Nicole, Nathy Peluso, Cristina Aguilera y Becky G

Latin Grammys 2021

Camilo brilló en

la noche latina

Rubén Blades, Nathy Peluso, Vicentico, Andrés Calamaro y Tinto Tango fueron

reconocidos en la 22° edición de los premios.

EL SEMÁFORO

Se multiplican los shows en

vivo y el Lollapalooza AR

2022 fijó fecha de realización.

FOTO: GENTILEZA GETTY IMAGES

Un colmado mgm grand garden arena de

Las Vegas tuvo como estrellas a Camilo como el más

ganador en cuatro categorías y a Rubén Blades por el

premio a “Mejor Álbum del Año”.

Así, Camilo fue el máximo ganador de los Latin Grammy

al llevarse cuatro premios en diversos géneros musicales,

pero no logró imponerse en las categorías generales. El artista

colombiano también fue protagonista en la categoría mejor

canción tropical por “Dios así lo quiso’', que coescribió

para Ricardo Montaner y Juan Luis Guerra, y mejor álbum

vocal pop por Mis manos.

Mejor canción de rock, “Ahora 1”, y Mejor álbum de rock,

El pozo brillante, fueron los premios para Vicentico; Mejor

canción pop/rock: “Hong Kong”, distinguió a C. Tangana,

Andrés Calamaro y Jorge Drexler; y el Mejor álbum de música

alternativa, Calambre, fue para Nathy Peluso.

Gloria Estefan inauguró la ceremonia con un número

lleno de color y alegría en el que, acompañada por Anitta,

Carlinhos Brown, Laércio da Costa, Pedro Capó, Farina,

Giulia Be y Diego Torres, interpretó un medley de su éxito

“Abriendo puertas’', “Cuando hay amor’' y el clásico en portugués

“Magdalenha’'.

Y entre las actuaciones destacadas estuvo la de Nicki Nicole

y Nathy Peluso, que dieron muestras del gran momento

que atraviesan sus carreras al interpretar en vivo “Pa’ Mis

Muchachas” con Christina Aguilera y Becky G.

Camilo, por su parte, interpretó “Vida de rico’' y “Kesi’' y

en un momento bajó del escenario para cantar y bailar por

el pasillo entre el público, que le regaló una ovación al final.

Mon Laferte y Gloria Trevi interpretaron durante la ceremonia

“La mujer’', que estaba nominada a mejor canción pop,

junto a La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho.

Las grandes giras

internacionales tuvieron que

pasar de 2021 y se acomodan

en 2022.

El rapero Young Dolph,

de 36 años, murió 17 de

noviembre en Memphis a

causa de un tiroteo.


en SANTA CRUZ DE LA SIERRA

BILLBOARD.BO

13

Noche de figuras

nacionales e internacionales

Continuando con nuestro objetivo de promover la música, el Hotel Marriot de Santa

Cruz fue la sede del evento que convocó a artistas, celebridades, promotores y

empresarios, quienes desfilaron por la alfombra roja.

POR BILLBOARD CONTENIDOS

Billboard Bolivia cumplió con su

propósito de difundir la música nacional

e internacional a través del show

de grandes artistas bolivianos entre los

que se encontraron: Gary Suárez, Lu de La Tower,

Mila Camila, Matamba, Vannesa Añez, Andrés

Barba, Las Majas, Alexandré, Midnight Dreamers

y Jacob, entre otros. Se destacó también la

oportunidad que tuvieron dos artistas cruceñas

emergentes como Fer Gómez y Mariana Massiel.

Como representación internacional estuvo presente

Dj Kane, integrante de Los Kumbia Kings,

que hizo bailar a todos los asistentes con sus éxitos

y clásicos de la música latina.

La sorpresa, y como cierre del evento, entre los

invitados estuvo el artista argentino L-Gante, que

se subió al escenario donde cantó varios de sus

éxitos e hizo al público cantar junto a él.

FOTOS: BILLBOARD BOLIVIA


BILLBOARD.BO

15

I

INDUSTRIA

Fitness a todo vapor

¡Hacé spinning con Beyoncé! ¡Sentadillas con Drake! Un año y medio después del acuerdo editorial de

Peloton que recalentó el negocio, las licencias de música de fitness-tech se están acelerando

POR TATIANA CIRISANO

don’t know about

you, but I Feel Good,”,

I canta Pitbull mientras

pedalea una bicicleta

estática Echelon en el video musical

de su pista EDM con saxofón,” I Feel

Good”. No es solo un respaldo de

producto. El video es parte de una

asociación anunciada en junio, en la

que Pitbull invirtió en la compañía de

equipos de entrenamiento en casa.

Ahora presta su nombre a un canal

en la aplicación, una bicicleta

de marca compartida y la canción,

escrita específicamente para Echelon,

que alcanzó el puesto 15 en la

lista Hot Dance / Electronic Songs

de Billboard a principios de octubre

y le dio nombre a su gira de verano

estadounidense.

No es el único artista que ha descubierto

el gusto por el fitness. Durante

el año pasado, la compañía de

tecnología del ejercicio Peloton se ha

asociado con Beyoncé y Verzuz en

clases que incorporan su música; La

empresa matriz de SoulCycle, Equinox,

ha contratado a Lorde y los Jonas

Brothers para promover sus canciones

con entrenamientos virtuales

en la plataforma Equinox +, que

permite a los usuarios guardar pistas

en Spotify; y Apple Fitness + ha atraído

a estrellas como Shawn Mendes y

Dolly Parton para narrar su serie de

audio guiada Time To Walk.

“Una vez a la semana, recibo una

llamada con otra empresa de fitness”,

dice la abogada musical Elizabeth

Moody, que trabaja en la concesión

de licencias para clientes como la

empresa de máquinas de remo en

casa Hydrow y la startup de boxeo Liteboxer.

“Necesitan hacer todo lo posible

para competir porque eso es lo

que esperan los consumidores ahora.

Y esa es una buena noticia para la industria

de la música “.

Me costó un poco llegar allí. Los

gimnasios que ofrecen clases presenciales

no necesitan más que licencias

generales de ASCAP y otras organizaciones

de derechos de interpretación,

pero ofrecer música con video

en línea casi siempre requiere una

licencia de sincronización, al igual

que el uso de música en una película

o programa de televisión. lo hace. En

2019, cuando la Asociación Nacional

de Editores de Música presentó lo

que se convertiría en una demanda

por infracción de derechos de autor

de 370 millones de dólares contra

Peloton, “asustó a mucha gente” en

el ámbito del fitness, dice el director

ejecutivo de 7digital, Paul Langworthy,

cuya empresa gestiona los derechos

musicales de los clientes. como

el Bootcamp de Barry. Sin embargo,

después de que las dos partes se establecieran

en febrero de 2020, “fue

absolutamente un factor determinante

para que la música con licencia

comercial se pusiera en forma”.

El acuerdo llevó a Peloton a firmar

acuerdos de licencia tanto con editoriales

como con sellos discográficos.

Eso ocurrió justo cuando la pandemia

del coronavirus impulsó al negocio

de fitness de US$ 100 mil millones

a volverse virtual, y las aplicaciones

conectadas que encontraron una audiencia

parecen mantenerlo a medida

que los gimnasios reabren. El negocio

de las aplicaciones de ejercicio tuvo

un valor de US$ 4.4 mil millones el

año pasado, un aumento del 53% con

respecto a 2019, según Grand View

Research, que espera que suba a US$

15.5 mil millones para 2028.

Eso podría ser un gran impulso

para el negocio de la música, porque

las empresas de aplicaciones de fitness

ahora gastan entre el 20% y el

50% de sus ingresos anuales en licencias,

según varias fuentes. Un informe

de Macquarie Research de febrero

estimó que esas empresas podrían

eventualmente gastar 300 millones de

dólares al año en música.

Peloton, y muchas otras empresas,

venden hardware y un servicio

de suscripción que ofrece clases de

video para las que necesitan licenciar

música. Muchos de ellos pagan a los

titulares de derechos al reservar un

porcentaje de los ingresos totales

para la música y luego dividirlo por

el uso agregado de la forma en que

lo hacen Spotify y otros servicios

de transmisión. (Los patrocinios y

los acuerdos de contenido de marca

requieren el permiso de los artistas).

Sin embargo, a diferencia de los servicios

de transmisión, estos ingresos

en la mayoría de los casos se dividen

de manera uniforme entre los titulares

de los derechos de grabación y

publicación, al igual que ocurre con

otros usos de video.

ILUSTRACIÓN: MIKE TOFANELLI


The Hot 100’s

GREATEST OF ALL TIME

1958-2021

The Weeknd fotografiado

por Brian Ziff el 28

de octubre en Hubble

Studios en Los Ángeles.

The Weeknd photographed

by Brian Ziff 18 on BILLBOARD Oct. 28 at BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021

Hubble 56 Studios in Los Angeles.

BILLBOARD.COM NOVEMBER 20, 2021

FOTO: BRIAN ZIFF PARA BILLBOARD

TB

linding HE WEEKND’S l ights” “BLINDING por the LIGHTS” weeknd shines brilla brightest entre los among casi

30.000 the nearly títulos 30,000 que han titles aparecido to ever appear en el Billboard on the Billboard Hot 100 durante

Hot 100

los 63

over

años

the

de

chart’s

historia

63-year

del chart.

history.

La canción, lanzada

The song, released in November 2019, is the newly

en noviembre de 2019, se ha coronado como la N° 1 en el resumen

de las 100 mejores de todos los tiempos de Billboard,

crowned No. 1 on Billboard’s Greatest of All Time Hot 100

recap, having logged a record-shattering run on the chart.

After

habiendo

topping

registrado

the Hot

una

100

carrera

for four

récord

weeks

en

in

la

April

lista.

and May 2020, it went on

to set Después new highs de encabezar for the most el Hot weeks 100 spent durante in the cuatro top semanas five (43), en top abril 10 (57), y mayo

top de 2020, 40 (86) pasó and a on establecer the chart nuevos overall máximos (90). durante la mayor cantidad de

semanas The single manteniéndose succeeds Chubby entre Checker’s los cinco primeros classic “The (43), Twist” los 10 as primeros the (57),

chart’s los 40 primeros No. 1 hit, with (86) y the en latter tabla having en general. topped (90). the Hot 100 for one week in

September El sencillo 1960 sucede and again al clásico for two de Chubby in January Checker, 1962. “The Twist”, como el éxito

número “Blinding uno Lights” de la lista, one y este of three último songs superó to peak el Hot in the 1002020s durante on una the semana

Greatest en septiembre of All Time de 1960 Hot y 100, nuevamente with Dua durante Lipa’s “Levitating” dos en enero and de 1962. 24kGoldn’s

“Mood” “Blinding (featuring Lights” iann es una dior) de at las Nos. tres 32 canciones and 49, respectively. que alcanzaron su punto

máximo Meanwhile, en la década thanks to de hits 2020 in en 2017-19 el Greatest (at Nos. of 19, All 75 Time and Hot 97), 100, Post con Malone “Levitating”

the de Bee Dua Gees, Lipa Boyz y “Mood” II Men de and 24kGoldn Paul McCartney/Wings (con iann dior) en as the los only números

joins

acts with as many as three entries each on the chart.

—GARY TRUST

32 y 49, respectivamente. —GARY TRUST

POSITION Song Artist PEAK YEAR

1 Blinding Lights The Weeknd 2020

2 The Twist Chubby Checker 1960

3 Smooth Santana feat. Rob Thomas 1999

4 Mack The Knife Bobby Darin 1959

5 Uptown Funk! Mark Ronson feat. Bruno Mars 2015

6 How Do I Live LeAnn Rimes 1997

7 Party Rock Anthem LMFAO feat. Lauren Bennett & GoonRock 2011

8 I Gotta Feeling The Black Eyed Peas 2009

9 Macarena (Bayside Boys Mix) Los Del Rio 1996

10 Shape Of You Ed Sheeran 2017

11 Physical Olivia Newton-John 1981

12 You Light Up My Life Debby Boone 1977

13 Hey Jude The Beatles 1968

14 Closer The Chainsmokers feat. Halsey 2016

15 We Belong Together Mariah Carey 2005

16 Un-Break My Heart Toni Braxton 1996

17 Yeah! Usher feat. Lil Jon & Ludacris 2004

18 Bette Davis Eyes Kim Carnes 1981

19 Circles Post Malone 2019

20 Endless Love Diana Ross & Lionel Richie 1981

21 Tonight’s The Night (Gonna Be Alright) Rod Stewart 1976

22 You Were Meant For Me/Foolish Games Jewel 1997

23 (Everything I Do) I Do It For You Bryan Adams 1991

24 I’ll Make Love To You Boyz II Men 1994

25 The Theme From “A Summer Place” Percy Faith And His Orchestra 1960

26 Le Freak Chic 1978

27 How Deep Is Your Love Bee Gees 1977

28 Eye Of The Tiger Survivor 1982

29 We Found Love Rihanna feat. Calvin Harris 2011

30 Girls Like You Maroon 5 feat. Cardi B 2018

31 Low Flo Rida feat. T-Pain 2008

32 Levitating Dua Lipa 2021

33 I Just Want To Be Your Everything Andy Gibb 1977

34 Too Close Next 1998

35 Every Breath You Take The Police 1983

36 Somebody That I Used To Know Gotye feat. Kimbra 2012

37 Despacito Luis Fonsi & Daddy Yankee feat. Justin Bieber 2017

38 Flashdance...What A Feeling Irene Cara 1983

39 Rolling In The Deep Adele 2011

40 Tossin’ And Turnin’ Bobby Lewis 1961

41 Old Town Road Lil Nas X feat. Billy Ray Cyrus 2019

POSITION Song Artist PEAK YEAR

42 The Battle Of New Orleans Johnny Horton 1959

43 One Sweet Day Mariah Carey & Boyz II Men 1995

44 Truly Madly Deeply Savage Garden 1998

45 Silly Love Songs Wings 1976

46 Let’s Get It On Marvin Gaye 1973

47 Night Fever Bee Gees 1978

48 Another One Bites The Dust Queen 1980

49 Mood 24kGoldn feat. iann dior 2020

50 Say Say Say Paul McCartney & Michael Jackson 1983

51 How You Remind Me Nickelback 2001

52 Tie A Yellow Ribbon Round The Ole Oak Tree Dawn feat. Tony Orlando 1973

53 It’s All In The Game Tommy Edwards 1958

54 I Want To Hold Your Hand The Beatles 1964

55 Shadow Dancing Andy Gibb 1978

56 Call Me Maybe Carly Rae Jepsen 2012

57 Blurred Lines Robin Thicke feat. T.I. + Pharrell 2013

58 Candle In The Wind 1997/Something About The Way You Look Tonight Elton John 1997

59 No One Alicia Keys 2007

60 I Will Always Love You Whitney Houston 1992

61 End Of The Road Boyz II Men 1992

62 Perfect Ed Sheeran 2017

63 Boom Boom Pow The Black Eyed Peas 2009

64 Call Me Blondie 1980

65 Let Me Love You Mario 2005

66 Stayin’ Alive Bee Gees 1978

67 Lady Kenny Rogers 1980

68 TiK ToK Ke$ha 2010

69 I’m A Believer The Monkees 1966

70 Gold Digger Kanye West feat. Jamie Foxx 2005

71 Apologize Timbaland feat. OneRepublic 2007

72 The Sign Ace Of Base 1994

73 Centerfold The J. Geils Band 1982

74 All About That Bass Meghan Trainor 2014

75 Sunflower (Spider-Man: Into The Spider-Verse) Post Malone & Swae Lee 2019

76 (Just Like) Starting Over John Lennon 1980

77 Royals Lorde 2013

78 The Boy Is Mine Brandy & Monica 1998

79 Because I Love You (The Postman Song) Stevie B 1990

80 I Love Rock ’N Roll Joan Jett & The Blackhearts 1982

81 Aquarius/Let The Sunshine In The 5th Dimension 1969

82 Whoomp! (There It Is) Tag Team 1993

83 God’s Plan Drake 2018

84 Moves Like Jagger Maroon 5 feat. Christina Aguilera 2011

85 Ebony And Ivory Paul McCartney & Stevie Wonder 1982

86 Rush Rush Paula Abdul 1992

87 That’s What Friends Are For Dionne & Friends 1986

88 Happy Pharrell Williams 2014

89 Upside Down Diana Ross 1980

90 Sugar, Sugar The Archies 1969

91 Just The Way You Are Bruno Mars 2010

92 Dilemma Nelly feat. Kelly Rowland 2002

93 I Heard It Through The Grapevine Marvin Gaye 1968

94 You’re Still The One Shania Twain 1998

95 Billie Jean Michael Jackson 1983

96 Hot Stuff Donna Summer 1979

97 Rockstar Post Malone feat. 21 Savage 2017

98 Gangsta’s Paradise Coolio feat. L.V. 1995

99 Abracadabra The Steve Miller Band 1982

100 You’re So Vain Carly Simon 1973

Legend The Greatest of All Time Billboard Hot 100 songs chart is based on actual performance on the weekly Hot 100 from its Aug. 4, 1958, launch through the Nov. 6, 2021-dated chart. Songs are ranked based on an inverse point system, with weeks at No. 1 earning

the greatest value and weeks at No. 100 earning the least. Due to changes in chart methodology over the years, eras are weighted differently to account for chart turnover rates during various periods.

NOVEMBER 20, 2021

BILLBOARD.COM

BILLBOARD.BO

19

5 7

POWER PLAYERS

DAMIÁN AMATO

“La música latina llegó para

quedarse a nivel global”

El Managing Director de Sony Music Entertainment para Cono Sur destaca el panorama de la

industria con el auge de las redes sociales y la generosidad que se respira en la escena.

a ebullición de las

redes sociales, la pandemia

y la vorágine de la

L

industria de la música

en la actualidad son algunos de los

factores que hicieron que la industria

evolucione. Damián Amato, líder

de Sony Music Sur, es uno de los

profesionales con mayor protagonis-

POR SANTIAGO TORRES

mo en el diseño de ese juego. Codo

a codo de los artistas más importantes

del país y la región, destaca: "Si le

puse la pasión que tenía que tener,

voy a estar contento. Si los resultados

me acompañan, mejor. Uno no

tiene el control sobre la gente y en

la industria de hoy cada vez más la

gente es quien manda".

¿Qué evaluación hacés de

este momento?

Fue muy complicado todo lo que

vino pasando. Hace un año y medio

la dinámica cambió. Me parece que

el futuro va a ser diferente, no creo

que sea igual a como estábamos antes

de la pandemia, veremos cómo

evoluciona.

¿Es cierto que uno de los

grandes ganadores dentro

de todo lo malo fueron las

discográficas?

Considero que si hay algo de verdad,

es que es un gran momento

para el streaming en sí. Tuvo

un gran crecimiento y va a crecer

mucho más. Los productores de

contenido también crecieron con

el crecimiento del streaming. La

industria sí, a pesar de que a comienzos

de la pandemia el miedo

era la caída de suscriptores, creo

que se sostuvo, se incrementó,

creció el consumo de música

también y cambió la dinámica. Al

no poder salir de gira, hubo una

mayor cantidad de lanzamientos y

más contenido. La demanda de la

FOTO: TUTE DELACROIX


gente con más tiempo en las casas

por no poder salir con normalidad

provocó una oferta de música, películas

y libros. El arte y entretenimiento

para venta de contenidos

en streaming se vieron fortalecidos,

no así los artistas y sus equipos

en lo que al negocio del Live

entertainment se refiere y eso fue

un impacto muy grande.

¿Notás una nueva generación

de ejecutivos?

Que la industria vuelva a tener

un crecimiento y haya pasado los

momentos más difíciles - piratería

y todo lo complicado del formato

físico - provocó que haya más ejecutivos

y más cuadros con mucho

potencial a futuro, sin duda.

¿Te colgás la medalla de

que fuiste el último Artists

and Repertoire (A&R) de la

última década?

No, para arrancar, yo no me siento

un A&R. Me considero un ejecutivo

de compañía con mucha experiencia

y buen vínculo con los artistas. A&R

no soy, nunca lo fui. Lo agradezco

un montón, pero no me puedo colgar

esa medalla. A&R es mi jefe, un

profesional enorme. Yo siento que

hoy cualquier persona que pueda

tener un olfato y sentir la música,

tiene algo de un A&R. Creo que lo

que pasó acá en la última década es

que como compañía hemos apostado

a los talentos y seguimos apostando.

Hemos firmado a muchísimos artistas

nuevos, seguimos firmando. Ayer

firmé a un chico muy joven también.

Creo que es parte del juego, de lo que

tenemos que hacer, es mi trabajo.

¿Creés que hay demasiados

lanzamientos?

Hay que partir de que no podemos

cambiar el mundo. Estratégicamente

le podemos decir a un artista “esperá

un poco para sacar tal canción porque

tenés una canción que todavía

funciona muy bien”, por ejemplo.

Pero la dinámica hoy cambió, uno

no puede ir contra la tendencia porque

lamentablemente te lleva puesto.

La tendencia es que el contenido

vaya saliendo en una dinámica mucho

más rápida que dos años atrás,

antes de la pandemia. Es muy difícil

para todos, para los artistas, para mí,

desandar ese camino.

Creo que la pos pandemia - que

ya estamos empezando a vivir - va a

ser muy distinta a la pandemia y la

previa. El camino va a ser otro, esto

es hacer futurología, pero creo que

van a convivir más los ciclos. El lanzamiento

(que un artista saque un

tema, otro, el disco), el vivo (se iba

de gira y no tiraba mucho contenido

porque no tiene tiempo). Mi visión

es que se viene un modelo híbrido.

Creo que durante el ciclo del vivo, se

van a ir lanzando nuevas canciones

enriqueciendo ese vivo, por ejemplo.

Todo va a terminar siendo un

círculo virtuoso desde el punto de

vista de negocios, tanto para la compañía

como el artista. Pero con una

dinámica mucho más rápida a la que

veníamos antes de la pandemia.

¿Cómo ves el futuro de la

electrónica con el regreso

de las fiestas?

La electrónica para mí está siempre,

no siento que haya perdido vigencia.

Tal vez, nosotros en Argentina

tuvimos situaciones complicadas

puntuales que generaron que no

haya tanto escenario, en determinadas

fiestas. Pero está presente en el

mundo, en los festivales. Creo que se

retrajo el consumo por estas situaciones

puntuales, pero no creo que

impida que vuelva.

¿Creés que perdió lugar

con el auge de la música

latina?

Puede ser, pero ahí pasa a ser algo

circunstancial. Siento que la música

latina llegó para quedarse en el

mundo de la globalización. No es

que se puso de moda. Creo que está

teniendo un momento muy importante,

sí. Tampoco se fue Calvin Harris

o la electrónica, vas a Las Vegas

o a Tomorrowland y las entradas

para las fiestas esta agotadas siempre

mas allá de su alto valor. Hay que

saber diferenciar algo que está creciendo

- la música latina - de algo

que haya venido a reemplazar otra

cosa. Va a seguir estando.

Dicen que la gran diferencia

de esta generación con

las anteriores es no solo la

velocidad para llegar a la

popularidad, sino también

para ganar dinero…

Creo que son distintos los tiempos.

Quizá muchos de estos artistas

pueden ganar por streams y no por

shows; y quizá los íconos ganan más

por los shows. Pero son momentos.

En algún momento, siento que más

tarde o más temprano va a haber

más gente escuchando música por

Spotify, YouTube. En la medida en

que esa gente esté incorporada en las

plataformas, también va a haber una

mayor escucha de la música más

contemporánea a nosotros. También

va a suceder que muchos de estos

artistas más fuertes en las plataformas

y no tanto en los vivos generen

un crecimiento en los vivos y se empareje

la relación. Desde mi opinion,

es un tema de tiempos.

¿Celebrás el market-share

y el éxito?

Sin duda uno celebra. Uno dedica

pasión y emoción al trabajo y que

los resultados se den da mucha alegría.

Es importante lograr los objetivos,

pero uno no siempre puede

pensar que se van a dar. Uno hace lo

mejor para que los resultados se den

y si se logran buenísimo, sino hay

que aprender a corregir errores para

volver a la senda de meter más goles.

Streams, nominaciones,

market share, ¿el semáforo

cuál es?

No es un semáforo. No mediría el

market share de un año a otro, hay

que ver si tuviste lanzamientos, o no.

Hay que estar pendiente, pero no es

el único y máximo indicador. Es un

todo. Lo más importante al evaluarme

es que lo hago más por el grado

de pasión que le puse a mi trabajo. Si

le puse la pasión que tenía que tener,

voy a estar contento. Si los resultados

me acompañan, mejor. A veces

sale bien, a veces no, pero son cosas

que pasan. Uno no tiene el control

sobre la gente y en la industria de

hoy, cada vez más, la gente es quien

manda. La que hace click si una canción

le gusta o no. La gente se conecta

con el artista o no. Si no conecta,

no es culpa de nadie, hay que buscar

cosas distintas o ver si nos equivocamos

en el proceso de comunicación

de esa obra o esa canción.

¿Cerca de los 15 años nos

definimos musicalmente?

No sé. No siento que haya una fórmula.

Siento que la adolescencia se

caracteriza por ser un período de

rebeldía, crecimiento, dolor, corte,

adolece el crecimiento. Cada generación

fue abrazando ciertos artistas

y géneros. Mi generación abrazó a

Sex Pistols, Los Ramones, The Clash.

Hoy por hoy, siento que el trap ocupó

ese lugar. Muchas veces lo he

hablado con Neo Pistea, que le digo

que es el más punk de todos. Es un

tema de actitud. Por eso lo veo desde

ese lugar. No sé si la hipótesis es correcta

o no, me parece súper válida.

Siento que cada generación abraza

determinados géneros, han pasado

otros artistas y géneros que han tenido

ese impulso.

¿Dónde está el rock?

Creo que la pandemia puso pausa a

un proceso que venía apareciendo en

Argentina. Había muchísimas bandas

de rock nuevas, de chicos muy jóvenes

con mucho potencial. La ausencia del

vivo puso una pequeña pausa, pero no

tengo dudas que el crecimiento se va a

dar. Para mí, Conociendo Rusia es la

banda de rock nueva con más peso.

¿Tiene que ver el auge de

los solistas con la disminución

de bandas?

Es diferente, pero como también

es diferente el estilo de música que

elijas. No es lo mismo componer

canciones, que hacerlo con la bajada

de línea específica llena de contenido

ideológico del rock. El rock

siempre tuvo un carácter ideológico

muy potente, al no tener un vivo

eso se pierde. Sin el vivo es difícil de

imaginar un crecimiento porque la

conexión de las bandas o los solistas

con banda se da ahí.

BILLBOARD.BO

21

POWER PLAYERS

FERNANDO MOYA


INDUSTRIA

I

Fernando Moya

“Los NFT acercarán a los artistas

con el público de una manera

nunca antes vista”

POR SANTIAGO TORRES

FOTO: TUTE DELACROIX

l fundador, presidente

y CEO de Ozono

E Producciones es uno

de los productores más

representativos del país, por su trabajo

en la organización de festivales,

shows, giras, y ser manager de artistas

icónicos como Fito Páez.

A lo largo de su carrera, Fernando

Moya organizó más de una

decena de Creamfields, además de

los recitales de Paul McCartney o

los Rollings Stones, y desempeñó su

papel de manager de artistas como

Charly García, Andrés Calamaro,

Divididos y Mercedes Sosa. También

fue el encargado de manejar

la gira de Natalia Oreiro, con quien

recuerda haber visitado países como

Ucrania, República Checa o Rusia a

lo largo de los años.

Hoy, su empresa está dedicada a

la creación, producción y comercialización

de experiencias en vivo con

formato de exportación y a la producción

de eventos internacionales.

¿Dónde comienza tu

camino?

Si vamos bien atrás podemos encontrarnos

con los principios de la

radio Rock & Pop. Fui parte de ese

proyecto con una oficina de managers

de artistas nacionales primero e

internacionales un tiempo después.

Ahí aprendí el negocio.

¿Cómo viviste la evolución

del mundo analógico a la

digitalización actual?

Son dos caminos pero claramente el

que está hoy es el mundo digital. El

analógico va a aguantar como lo hizo

el vinilo o el papel, pero el mundo

que va a evolucionar es el digital. A

partir de ahora y en los próximos

años se van a sentir las consolidaciones

del mundo digital, donde el planeta

en sí será mucho más distinto a

tal y cómo lo conocemos.

¿Qué recordás de los lanzamientos

de proyectos

.com y las redes sociales?

La verdad es que generó un gran

impacto en mi trabajo. Empecé a

hacer Fuerza Bruta en 2004 y lo que

sucedió en esos años es el paso del

show de la Argentina a Londres de

una forma realmente rápida con la

visualización en lo que en ese momento

era Facebook. Me encontré

sin quererlo con un show que se difundió

en todo el mundo, y no tenía

una estrategia preparada para ello.

Pusimos el foco en Londres y Nueva

York, pero junto a eso crecieron las

redes y el show explotó. Lo que antes

uno tenía que explicarle a un chino,

polaco, ruso, americano… Las redes

lo hicieron más fácil y rápido.

¿Cómo vivieron la gira de

TINI por Europa y Argentina

con Violetta?

Solamente en el Rex vendió 77 espectáculos,

fueron más de 210 mil

entradas. No había pasado por esa

experiencia nunca. Los 10 Rex de

Fito con Amor Después del Amor,

los 8 shows de Soda Stéreo, 10 o 12

de Charly… Reservamos 40 fechas

en el Rex y la organización pensaba

que estábamos locos. Al final dobló

por completo lo esperado.

¿Te sorprendió en ese momento

su éxito?

La verdad que no, por la llegada

al público tremenda que tenía con

Violetta. Para mí fue la artista que

más tickets vendió en la Argentina.

¿Por qué crees que los

shows en vivo lograron

tantos sold outs y ventas

luego de la pandemia?

Hay algo que el vivo tiene y hay que

cuidar. El vivo constante desgasta de

alguna forma con el paso del tiempo.

La teoría de saber guardarse y

trabajar en diferentes ámbitos es la

mejor opción. Me parece que la nueva

camada de músicos argentinos

está mucho más internacionalizado

que los artistas de los 90’. Esos chicos

tienen la posibilidad de probar

otros mercados y no estar explotando

tanto el cupo en el país. Por supuesto

además que depende mucho

de los artistas y cómo éstos regulan

su cuota de contacto con el público.

¿Dónde está el quiebre en

la internacionalización de

la música en español?

Creo que el quiebre está en Spotify.

En la radio decide el programador

qué es lo que suena y lo que no, pero

en Spotify es el público quien se encarga.

Me parece que ayudó muchísimo

al crossover de los idiomas no

estandarizados como el inglés. siento

que aplanó el mundo de cierta forma.

¿Qué es Buenos Aires en

relación a shows y calidad?

La diferencia más grande de Buenos

Aires con respecto al mundo es

que tiene público joven, crossover

y no se dinamitaron los ídolos. Han

habido conciertos de Rolling Stone

en otros países que terminan siendo

aburridos por la gente que los va a

ver, no por el show en sí.

¿Crees que los NFT son

el futuro en la industria

musical?

Estoy seguro de que acercarán al

artista con el público de una manera

nunca antes vista. La gran diferencia

con comprar discos es que

antes uno compraba el soporte de

la canción, pero con los NFT uno

va a compartir los derechos con el

propio autor, hecho que marca la

posibilidad de generar beneficio

con las regalías si entra en Spotify y

demás plataformas.

¿Qué sería lo más inteligente

para un artista hoy

en día?

Desde el managment, uno puede

aportar para que el artista haga su

trabajo lo mejor posible. Como artista,

no estás buscando constantemente

quién es el mejor productor

o con quién podría presentar algo,

sino que ahí entra el management.

Acá había una construcción a la antigua

y eso cambió, sin duda.

¿La industria se volvió más

colaborativa?

Está más abierta. Uno le da participación

a personas que quizás antes

no estaban o que antes no se interesaban

en ello. La fuerza que tomó el

negocio discográfico también es un

factor fundamental en este aumento

de demanda. Con “fuerza” me

refiero a las ventas y a los números

que genera.

¿Alguna vez habías visto

que un artista con pocos

años de carrera llegue al número

uno en popularidad?

Para nada, es un hecho totalmente

nuevo. Tienen una velocidad de

comunicación y de traspaso muy

importante.

¿Por qué no lo logran los

artistas que ya tenían éxito

anteriormente?

Les cuesta traspasar a otros países

y otras sociedades, y eso tiene que

ver con la composición. Están muy

arraigados a la música argentina y

los chicos de la nueva generación

están incluidos dentro del hip-hop,

el trap, el reggaetón… Y eso se está

haciendo en todos lados.

BILLBOARD.BO

23

FOTÓGRAFOS

Agustín Dusserre

Música en imágenes

A LO LARGO DE SU CARRERA HA FOTOGRAFIADO A GRANDES ARTISTAS Y BANDAS COMO

METALLICA, NOEL GALLAGHER, LOS FABULOSOS CADILLACS, MICK JAGGER O LENNY KRAVITZ EN

ALGUNOS DE LOS FESTIVALES MÁS IMPORTANTES A NIVEL GLOBAL

POR BILLBOARD CONTENIDOS · FOTOS: AGUSTÍN DUSSERRE

RETRATO DE AGUSTÍN DUSSERRE: MARTÍN BONETTO

Agustín dusserre trabaja

hoy como fotógrafo

en Rolling Stone Argentina,

y cuando se le consulta

sobre sus bandas favoritas con

las que trabajó no duda: “Una de

mis favoritas desde mi adolescencia

es Los Fabulosos Cadillacs. También

tuve la oportunidad de trabajar con

otro de mis artistas más admirados,

Noel Gallagher. Otros fueron los

Pixies, trabajé con ellos durante una

semana en la gira que incluyó los

Lollapalooza de Chile y Argentina

del 2014, para la revista Mojo del

Reino Unido. De los artistas a los

que fotografié, mis favoritos fueron

Los Rolling Stones, Radiohead, Blur,

Liam, Arctic Monkeys, Pulp, Charly

García, Illya Kuriaky y Babasónicos…

y siempre, a mis sempiternos

Mimi Maura y a Sergio Rotman, en

cualquier cosa que hagan. Fueron

los dos primeros que confiaron en

mi ojo”, señala.

¿Cuál es tu mejor foto?

Mi registro del momento en que

Jack White invitó a Robert Plant al

escenario para cantar “The Lemon

Song” en el Lollapalooza 2015. Esa

toma se transformó en la primera

fotografía de Rolling Stone Argentina

en ser publicada por la edición

estadounidense de la revista. Me

hizo entender el poder de la foto,

cómo puede llegar a lugares inesperados.

Además, me encanta la com-

plicidad y felicidad genuina que se

les ve a los dos.

¿Qué fotógrafos te inspiran?

Jim Marshall, Annie Leibovitz,

Jill Furmanovsky (fotógrafa que

acompañó a Oasis en sus años de

crecimiento, incluyendo el histórico

show de Knebworth en 1996),

Danny Clinch. De acá, me inspiran

Aspix, Nora Lezano, Andy Cherniavsky

y mis amigos Nacho Arnedo,

Martín Bonetto y Guido Adler.

¿A quién te falta sacarle una

foto?

Pienso en los imposibles, los que

ya no están o bandas que están separadas,

que cuando veo fotos de

ellos sueño con haber estado allí

y poder haberlos registrado a mi

manera: Bob Marley, Janis Joplin,

Jimi Hendrix, Johnny Cash, Miles

Davis. Beastie Boys, REM, Madness,

The Black Crowes, The Stone Roses,

Guns n´ Roses de los 90´s. Oasis,

Amy Winehouse y Gustavo Cerati.

¿Cuáles son las cámaras y equipos

que más usaste?

Actualmente uso una Nikon D750

como primera cámara, y una Nikon

D700 como backup, ambas de formato

completo. Mis lentes favoritos

y que llevo conmigo a todos los

shows son Tokina 16-28mm; Nikkor

24-70mm, Nikkor 70-200mm. Todos

f2.8.


¿El futuro de la fotografía

incluye video o movimiento?

¿Cómo analizás la evolución de

la profesión?

Creo que si la fotografía tuviese

movimiento, ya dejaría de ser una

fotografía percé y sería un video. Es

decir que son cosas diferentes y está

bien que así lo sea. Lo que sí aprecio

mucho es cuando una fotografía fija

da la sensación de movimiento. Que

sea tan perfecta que te haga sentir

el movimiento que se captó en esa

parte de segundo. En cuanto a nuestra

profesión, siento que cada vez se

valora menos todo lo que implica

lograr una buena fotografía de la

manera en que la hacemos. Cada vez

que no se reconoce un crédito o que

se intenta evitar un presupuesto, se

está atentando contra nuestro arte.

Más allá de esta mirada negativa al

respecto, creo que el avance tecnológico

hace que la fotografía tenga una

popularidad que nunca ha tenido en

la historia, donde en cada casa hay

una cámara al alcance de la mano y

donde se pueden registrar todos los

momentos cotidianos. Quien realmente

esté interesado en la fotografía,

hoy tiene muchas más oportunidades

para ejercer esta hermosa

profesión. Más allá de los equipos,

es muy sencillo seguir la obra de los

fotógrafos referentes de cada uno, y

eso es una motivación continua.

Qué tiene que tener un fotógrafo

para destacarse?

Amor por la fotografía y por el tipo

de fotografía que realiza. Así fue

como funcionó para mí. Siempre

hice esto con mucho amor, y me especialicé

en shows de música porque

ir a shows era mi pasatiempo favorito.

Luego, es importante hacer esto

con el profesionalismo que requiere.

Particularmente en la fotografía de

recitales: confiar en el instinto propio,

estar preparados para acotar

el margen de sorpresa y disfrutar

mucho lo que hacemos. Todo eso

hace que toda nuestra pasión y la del

artista fotografiado se refleje en la

obra final.

BILLBOARD.BO

25

I

INDUSTRIA

Festivales versus giras

A medida que el negocio de los conciertos intenta reaparecer, los grandes festivales

al aire libre se agotan mientras que las giras de grandes artistas se retrasan.

POR DAVE BROOKS

Bottlerock ha hecho

que “tocar hasta que

son desconectados” un

rito de iniciación en su

festival anual de Napa, California,

donde el evento es a las 22hs y el toque

de queda se hace cumplir con un

interruptor de apagado. La pérdida

repentina de sonido amplificado puede

ser discordante, pero cuando la

multitud interviene para cerrar una

canción, como lo hizo durante el set

de Guns N 'Roses de este año, que incluyó

al invitado especial Dave Grohl,

gritando juntos: "Oh, please take

me ho-ome ”, el inevitable video viral

debería haber sido la comercialización

del oro para la venta de entradas

para la gira principal de la banda.

En 2021, el cierre de alta energía

puede haber servido como un refuerzo

de confianza para la banda de

hard-rock, que recientemente hizo

su regreso pos pandémico a la carretera

para tocar en 25 shows pospuestos

de su gira de 2020, así como en

14 nuevos conciertos en 2021.

La última gran serie de conciertos

del acto fue Not in This Lifetime

Tour, que ganó US$ 500 millones a

partir de la primavera de 2016 y se

convirtió en la cuarta más taquillera

de la historia, según Billboard

Boxscore. Sin embargo, desde que se

reinició el negocio de los conciertos,

está teniendo más dificultades para

lograr que los fans se presenten. En

promedio, el 10% de las personas que

en 2019 y 2020 compraron entradas

para ver Guns N 'Roses en estos espectáculos

no se han presentado a los

conciertos reprogramados de 2021, y

las actuaciones de la banda previstas

para finales de este año en México y

Europa han sido retrasado hasta 2022

en medio de preocupaciones sobre

las débiles ventas sin cita previa.

Al menos Guns N ’Roses está en

buena compañía. Este otoño, los

Eagles, Billy Joel, George Strait, Zac

Brown Band y James Taylor han visto

tasas de no presentación de hasta

el 25% en algunas actuaciones. Los

ejecutivos de la industria culpan a

los temores persistentes sobre la propagación

de COVID-19 en lugares

cerrados, incluso entre aquellos que

están vacunados, así como a la competencia

con una avalancha de otros

conciertos, festivales y eventos de

destino. Para los espectáculos que se

han agotado, los ingresos por entradas

no son una preocupación, pero

esto significa menos personas en los

asientos, así como ventas más débiles

de alimentos, bebidas y mercancías,

además de un golpe en la capacidad

de los reservadores y promotores

para planificar con anticipación.

Los festivales como BottleRock,

que según los funcionarios de la

compañía se agotaron "en cuestión

de minutos" este año, son un punto

brillante en el negocio de la música

después de la pandemia, y la asistencia

a la mayoría de estos eventos aumenta

con respecto a sus niveles de

2019, según Live Nation. informe de

ganancias más reciente. Una razón:

los festivales al aire libre se perciben

como más seguros que los espectáculos

en interiores. También proporcionan

un valor mucho mejor. “Los

fanáticos pueden ver muchos más

actos en un festival por el mismo

precio que pagarían por asistir a una

gira de grandes titulares”, dice Bobby

Dee, productor del festival Once

Upon a Time in LA. El evento de diciembre,

que presenta a Snoop Dogg,

The Game y Al Green, se agotó en

menos de 24 horas. “Están saliendo

[durante] la pandemia y tomando

la decisión de que no quieren pasar

dos horas viendo a un artista tocar

su set y encore. Quieren la libertad

de recorrer el evento y organizar su

propia experiencia ".

Eso está haciendo que los artistas

reconsideren sus planes de gira

para el próximo año y más allá. En

la mayoría de los casos, los conciertos

de titulares tradicionales pagan a

los artistas un mínimo garantizado,

después de lo cual los ingresos por

entradas se dividen con el promotor,

lo que significa que ambas partes

comparten el riesgo. En cambio, los

festivales ofrecen a los actos un pago

fijo, independientemente de las ventas.

Eso es atractivo para los agentes

de reservas, que podrían preocuparse

por exponer a sus clientes a mayores

riesgos a medida que se reabre el

negocio de los conciertos.

También les da a algunos festivales

la oportunidad de contratar artistas

como Stevie Nicks, quien fue contratado

para actuar en BottleRock.

También puede significar pagar

enormes tarifas para contratar a los

talentos principales que podrían no

traer el tipo de venta de boletos que

esperaban los organizadores.

FOTO: CHRIS TUITE


ALLY BROOKE

“ Estoy regresando

a mis raíces”

Iniciando su nueva era musical,

la artista multiplatino Ally Brooke

presentó el primer sencillo en español

de su nuevo álbum, Mi Música.

POR SANTIAGO TORRES

Este lanzamiento marca su debut

bajo el nuevo acuerdo discográfico que

firmó con Duars Entertainment y AMSI

Entertainment. El video fue dirigido por

Jack Nine Films y filmado en Universal Studios

en Orlando y cuenta la historia de una joven cuyo

espíritu se libera únicamente por la música.

En celebración del Mes de la Herencia Hispana,

Ally presentó nueva música en español con una

actuación exclusiva durante la Semana de la Música

Latina Billboard en Miami, FL, junto a Rauw

Alejandro y Eix. Además, estrenó una versión

especial de “Game of Love” en la transmisión de

PBS de la edición 34 de los Premios de la Herencia

Hispana, como parte de un homenaje en honor

al legendario Santana, y aparece en un nuevo

episodio de “Cultura Clash” de Billboard.

¿Por qué en español, Ally?

Esta soy yo regresando a mis raíces. Tengo muchas

canciones en español recientemente, en especial

como artista solista. En este momento me

llegó una oportunidad muy buena para que vuelva

a conectarme completamente con mi pasado,

algo que siempre quise. Estoy realmente orgullosa

de poder presentar incluso un álbum en español.

¿Por qué crees que la música latina se

está escuchando finalmente en Asia y

Estados Unidos?

Creo que es increíble. Dije por mucho tiempo que

nuestros escritores, músicos y artistas son realmente

talentosos. Ellos están dando música real

y mostrando su arte por todo el mundo, y que

sea escuchado y respetado es algo realmente hermoso.

La gente está mucho más abierta de mente

también así que ello ayuda un montón. Siempre

hemos estado aquí y llegó el momento de que la

gente nos ame.

¿Cómo y por qué elegiste a tus productores?

King Mora es parte de mi discográfica y es un

gran escritor y compositor, formó parte de mi

álbum. Trabajé con Geofred en “Mi Música”

porque esta canción es mi alma, es exactamente

quien soy yo y el mensaje habla de que si te tengo

a ti no necesito a más nadie. Era un mensaje

que quería compartir con mi familia, mis fans,

Dios… Es un mensaje hermoso y estoy orgullosa

de este momento en mi carrera, por lo que

le agradezco a Geofred por poder ayudarme a

transmitir ese mensaje.

¿Cómo viviste el reencuentro con el

público y tus colegas en la Latin Music

Week?

Fue increíble, esa semana tuve la oportunidad

de presentarme por primera vez después de la

pandemia frente a una gran cantidad de público.

Fue algo realmente especial porque también pude

encontrarme con mis amigos, colegas y grandes

artistas. Había una energía muy linda y me puse

muy feliz al darme cuenta de que amaron lo que

hacía y me aceptaron, algo que significa mucho

para mí.

¿Cómo están organizando las giras y

los conciertos?

Mi equipo y yo estamos manteniendo grandes

conversaciones sobre mis futuros shows y estoy

súper emocionada. “Mi Música” es la intro o el

opening de este camino, es la primera canción del

álbum y creo que hay un par de shows ya previstos

que estoy ansiosa por confirmar.

¿Cuál es la diferencia entre la Ally de

“Vámonos” y la de “Mi Música”?

“Vámonos” fue mi primera canción como artista

solista allá por el 2018. La Ally que soy ahora es muy

diferente, siento que soy mucho más segura sobre

quién soy, sobre qué quiero cantar, con qué estoy

conforme y quién soy cómo artista. Esta canción es

totalmente yo, esa es la mayor diferencia.

¿Qué artista te gusta o con quién estás

familiarizada de Sudamérica?

Todos son increíbles. TINI es increíble, su música,

su voz, su estilo… De hecho, ambas nos seguimos

en redes y sería genial colaborar con ella

alguna vez, o solamente salir a tomar algo, eso ya

es suficiente.

¿Estás interesada en lanzar tu propia

marca de ropa?

Totalmente, es mi sueño un día. Sería algo muy

adorable ver a pequeñas chicas o chicos vestidos

como yo. Es algo que está presente en mi lista de

sueños, me gusta poder expresarme a través de la

ropa y la moda.

FOTO: JORA FRANTZIS


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SUBIENDO LAS APUESTAS

el spin-off de universal music provocará nuevos movimientos de ingresos,

así como nuevos conflictos y competencia.

POR ROBERT LEVINE Y GLENN PEOPLES

no hace tanto tiempo, pensar más seriamente

sobre el futuro del negocio de la música implicaba

predecir el colapso de los principales sellos

discográficos. En 2002, David Bowie dijo que la

música “se volvería como agua corriente” y que los

derechos de autor desaparecerían en una década.

Y una vez que la música se hiciera gratuita, ¿quién

necesitaría una empresa que ayudara a promocionarla?

En 2013, el líder de Radiohead, Thom

Yorke, llamó a Spotify “el último pedo desesperado

de un cadáver moribundo”, refiriéndose a las

etiquetas, y luego distribuyó su álbum Tomorrow’s

Modern Boxes en BitTorrent.

(¿Recuerda BitTorrent?) Los inversores no eran

mucho más optimistas. En 2003, Time Warner

vendió su negocio de música a un grupo de inversionistas

liderado por Edgar Bronfman Jr. por 2.6

mil millones de dólares, un múltiplo de nueve veces

el EBITDA de la compañía, o ganancias antes

de intereses, impuestos, depreciación y amortización.

En 2011, Universal Music Group, bajo el

nuevo CEO Lucian Grainge, acordó comprar el

negocio de grabación de EMI Music por US$ 1.9

mil millones, solo siete veces su EBITDA, en lo

que bien pudo haber sido el fondo del mercado.

Ese mismo año, Spotify se lanzó en Estados

Unidos. En unos pocos años, se convirtió en la

empresa de agua que Bowie podría haber imaginado,

al igual que Apple Music y otros servicios. Sin

embargo, por mucho que la transmisión representara

un nuevo modelo de negocio innovador,

el futuro no resultó ser tan radical como algunos

predijeron.

La mayoría de los artistas ambiciosos aún hacen

tratos con sellos o distribuidores, que otorgan licencias

de su música a compañías que generan la

mayoría de los ingresos de la industria al cobrar a

los consumidores por ello.

El poder del streaming y sus ingresos estables

y escalables impulsaron la escisión del 21 de septiembre

de Universal Music Group by Vivendi, que

resultó que fue fundada en 1853 como una empresa

de agua real. UMG, que salió a bolsa con un

valor de aproximadamente US$ 57 mil millones, es

la compañía de música más valiosa de la historia y

cotiza por aproximadamente 30 veces su EBITDA

de 2020. En su primer día de operaciones, ayudó a

impulsar el valor de Warner Music Group, que salió

a bolsa el año pasado, en un 13,4%. WMG, que

cotiza a un múltiplo de EBITDA de 27, anunció

recientemente un acuerdo para lanzar los álbumes

que lanzó Bowie después de 2002. Y Tomorrow’s

Modern Boxes ahora está en Spotify.

La escisión de UMG deja en claro que la industria

ha entrado en una nueva fase, que parece un

boom para los tipos de actos que funcionan bien

en la transmisión y los sellos y distribuidores que

trabajan con ellos. (Queda por ver qué depara el

futuro para otros tipos de actos, al igual que cuánto

compartirán los editores y compositores de esta

prosperidad). Podría aumentar aún más el valor de

la grabación y publicación de catálogos, que ya se

han elevado a múltiplos sin precedentes. además

de inspirar a otras empresas a cotizar en bolsa (ver

artículo, página siguiente). UMG puede beneficiarse

más de un auge que sus competidores, ya

que su participación de mercado no tiene precedentes

en el negocio de la música moderna, razón

por la cual los inversores la valoran muy bien. Pero

incluso a esos competidores ahora les resultará

más fácil recaudar capital, y gran parte del dinero

que se vierte en el negocio de la música ayudará a

otros músicos: actos que pueden negociar mayores

avances, compositores que pueden obtener más dinero

por sus derechos de publicación, promotores

de conciertos que se beneficiará de presupuestos

de marketing de artistas más altos.

Lo que también significa que UMG se enfrentará

a una feroz competencia, de sellos establecidos,

nuevos distribuidores y una variedad de empresas

de servicios para artistas. El hecho es que los

artistas de cualquier tamaño ya no necesitan una

etiqueta como antes. Los servicios de transmisión

por secuencias y las redes sociales han reducido

el costo del marketing y la promoción, y algunas

empresas incluso están comenzando a ofrecer anticipos

contra regalías y otros servicios financieros

que antes solo las discográficas podían brindar.

Muchos artistas todavía quieren una etiqueta, por

supuesto, para financiar el marketing o sufragar el

riesgo, pero a menudo solo en sus propios términos.

La competencia entre empresas con diferentes

modelos de negocio solo les ayudará.

Hace dos décadas, el negocio de la música se

convirtió en una serie de conflictos sobre si la

música grabada continuaría generando ingresos

significativos en un mercado digital. Durante

años ha estado claro que lo hará, y el optimismo

sobre cuánto sigue aumentando. Lo que aún no

se ha resuelto por completo es cómo se dividirán

esos ingresos, entre sellos y empresas de distribución,

pero también entre sellos y editoriales, sellos

y artistas, y qué modelos comerciales serán más

efectivos en una industria donde cada jugador

tiene mucho más. elección de cómo estructurar

acuerdos y con quién. Y estos conflictos, menos

convincentes para los expertos, pero más interesantes

para los inversores, darán forma al negocio

de la música del futuro.

ILUSTRACIÓN: DAN WOODGER PARA BILLBOARD


EL

PADRINO

DADDY YANKEE llevó el reggaetón de las calles

de San Juan a un escenario global y enseñó a

sus estrellas una nueva forma de hacer negocios.

Mientras prepara su décimo álbum, muestra por

qué sigue siendo “The Big Boss”.

POR LEILA COBO

FOTOS: JAI LENNARD


Yankee fotografiado el 5 de

agosto en el Palacio Provincial

de San Juan, Puerto Rico.

Diseño de Rachel Johnson

Camiseta Ambush, pantalones

Hudson Jeans, zapatos Y3,

reloj Richard Mille, joyas de

David Yurman y gafas de sol

Cutler + Gross.

BILLBOARD.BO

33

mer álbum de reggaetón en llegar a

ese lugar, y permaneció allí durante

24 semanas, convirtiéndose finalmente

en el mejor álbum latino de

la 2000.

Con él, Yankee alteró irrevocablemente

el sonido y el negocio de

la música latina, no solo impulsando

el surgimiento de un género que

hoy es un fenómeno global, sino

literalmente construyéndolo desde

cero. Estableció los estándares para

todo, desde cómo se vestían los

reggaetoneros hasta cómo se creaba

su música y la forma en que los

artistas más importantes del género

negociaban colaboraciones y divisiones

de canciones. En el camino,

introdujo un modelo de negocio

independiente de bricolaje, en el

que financió su propia grabación,

marketing y promoción; distribución

con licencia exclusiva; y, lo que

es más importante, mantuvo la propiedad

de sus maestros, que se ha

convertido en un modelo adoptado

por muchos de los actos latinos más

vendidos de la actualidad.

“[Daddy Yankee] fue, y es, una

inspiración para mí, no solo musicalmente,

sino también como un

visionario de la industria del entretenimiento

y un gran defensor de

nuestro género”, dice Ozuna. Anuel

AA lo llama con total naturalidad

“una leyenda” que “allanó el camino

para muchos de nosotros.

Todos empezamos desde abajo,

pero él empezó desde cero, cuando

el género ni siquiera existía. Eso es

algo que solo los grandes pueden

hacer “. Y Yankee no solo se ha

mantenido relevante; se ha mantenido

en la cima, con seis No. 1 en

Top Latin Albums; un récord de 73

entradas en Latin Airplay y 84 éxitos

de Hot Latin Songs desde “Gasolina”,

incluyendo “Despacito”, que

rompe récords y cambia de paradigma,

junto a Luis Fonsi. “Estuvo

a la vanguardia de los dos cambios

más importantes en la música latina”,

dice Jorge Mejía, presidente

/ CEO de Sony Music Publishing

Latin America y U.S. Latin, de esos

dos temas. (Sony acaba de renovar

el contrato editorial global de

Yankee). “Antes de ‘Despacito’, la

idea de que los compositores latinos

podían colaborar en un escenario

mundial no era algo común”.

Karol G dice que asociarse con

actos en ascenso es algo que aprendió

directamente de Yankee. “Nunca

percibes al chico como viejo

porque colabora con los actos más

Daddy yankee

se sentó en

el diminuto

departamento

que compartía

con su esposa

y sus tres hijos en Villa Kennedy, un

proyecto de viviendas en San Juan,

Puerto Rico, escuchando los sonidos

de las calles.

“¡Cómo le gusta la gasolina!”,

Gritaban las voces debajo de su

ventana, burlándose de las chicas

guapas que los llevaban chicos con

autos llamativos. “A mi me gusta

la gasolina, dame más gasolina”, se

coreó Yankee para sí mismo, un

estribillo que no podía sacarse de

la cabeza.

Era 2004, y Yankee (nacido Raymond

Ayala), entonces de 28 años,

era el líder de un floreciente movimiento

musical clandestino conocido

como reggaetón. Sabía que la

música era demasiado grande para

limitarla a las calles donde vivía, y

que necesitaría un megahit para salir

fuera de su hogar en la isla.

Tomó el coro y fluyó hacia su

amigo Luny, del dúo de producción

Lunytunes, entonces los principales

productores de la escena. Junto con

el rapero y letrista Eddie Dee, desarrollaron

una pista, agregando el sonido

de los motores disparando en

la introducción junto con los versos

rápidos de Yankee y, encima del ritmo

contundente y agresivo de Luny,

ese estribillo que sonaba como una

burla en el patio de la escuela. .

“El verso era tan simple y fácil

de recordar”, recuerda Yankee hoy.

Está sentado en la biblioteca del

Palacio Provincial, un hotel recién

inaugurado en un edificio del siglo

XIX en el corazón del moderno

Viejo San Juan, a 10 minutos en

auto pero a toda una vida de ese

viejo apartamento de Villa Kennedy.

“La gente buscaba un significado

oculto: ¿estaba hablando de

alcohol, de drogas? Pero esa pista es

completamente literal “.

Independientemente de cómo lo

interpretó su público, “Gasolina” resultó

ser el combustible que el reggaetón

y el yanqui necesitaban para

explotar. La canción se convirtió en

el segundo sencillo de Barrio Fino

de 2004, el tercer álbum de Yankee

en El Cartel Records, el sello que

había creado tres años antes. Distribuido

por el sello Machete de Universal

Music Group (UMG), debutó

en el n. ° 1 en la lista de los mejores

álbumes latinos de Billboard, el pricalientes,

pero también con los actos

nuevos más calientes”, dice ella.

“Es algo por lo que los nuevos artistas

están agradecidos”.

Sin embargo, a pesar de que su

alcance se ha expandido a un escenario

global, muchas cosas se

han mantenido igual para Daddy

Yankee. A lo largo de los años, ha

continuado lanzando su música en

El Cartel a través de acuerdos de

distribución con diferentes sellos.

Su álbum bilingüe de 2007, El Cartel:

The Big Boss, fue distribuido

por Interscope porque “me dieron

el mejor trato”, le dijo a Billboard en

ese momento. Debutó en el N° 1 en

Top Latin Albums y en un respetable

N°9 en la lista Billboard 200

de todos los géneros, sin embargo,

para su próximo álbum de estudio,

Mundial de 2010, eligió Sony Music

Latin como distribuidor, y luego

Capitol Latin para Prestige de 2012,

nuevamente. citando “el mejor trato”

como su principal razón para

los cambios.

A los 46 años, todavía es apuesto

como un niño, su corte de pelo

acentúa la piel suave y los rasgos

cincelados. Está delgado por hacer

ejercicio durante la pandemia, usa

una camiseta blanca, pantalones

deportivos y la cantidad justa de

joyas (cadena, brazalete, anillo y reloj

en platino y diamantes a juego)

para irradiar confianza en sí mismo,

no fingir.

Aún vive en Puerto Rico, no solo

porque es su hogar, sino porque le

permite “estar en contacto con las

calles”. Todavía trabaja con gran

parte de su equipo del primer día,

incluida la publicista Mayna Nevarez

y la productor Luny.

Y todavía está casado con su no-


via de la secundaria Mireddys González,

quien también es su gerente,

directora ejecutiva de El Cartel y

una emprendedora por derecho

propio con más de un millón de seguidores

en Instagram.

González (quien se negó a ser entrevistada)

es ampliamente conocida

por ejercer una amplia influencia

en la carrera de su esposo, lo que

Yankee admite libremente. “Ella es

la jefa. Ella siempre ha sido la jefa”,

dice con una sonrisa. (Más tarde,

los veré a los dos charlando en el

balcón del hotel, Yankee susurrándole

al oído mientras sus manos

rodean su cintura, como si todavía

fueran adolescentes).

Pero la última palabra en todo

se reduce al propio Yankee. “Su

atención al detalle es incomparable”,

dice Simran Singh, su abogado

durante los últimos cinco años.

“Él mira todo. Estudia música hoy

como lo hizo hace 20 años: los números

y las métricas, y está pensando

en todo desde el lado del marketing

antes de lanzar una canción “.

El director de video y diseñador

gráfico Carlos Pérez fue testigo

de eso de primera mano en 2004,

cuando Yankee lo contrató para

diseñar la estrategia de marketing

y visual de Barrio Fino. “Nos tomó

como tres días, él iba línea por línea

y preguntaba ‘¿Qué es esto?’”, Recuerda

Pérez, quien también todavía

trabaja con Yankee. “Finalmente,

dijo: ‘Lo quiero todo’. Todo costó

alrededor de $ 30,000, sin incluir el

video. No era barato para la época

ni para un artista independiente.

Pero simplemente dijo: “¿Puede

dividirlo en tres pagos?” Quería

marketing y la identidad al nivel de

cualquiera de los mejores artistas de

hip-hop “.

Ese conocimiento estratégico

aún está evolucionando mientras

Yankee se prepara para lanzar su

décimo álbum de estudio, y el primero

desde 2012, este otoño en El

Cartel, pero bajo un acuerdo de

distribución global renovado con

UMG, uno que cae directamente

bajo el alcance del CEO Lucian

Grainge y UMG. la vicepresidenta

ejecutiva Michele Anthony, con

Republic Records proporcionando

marketing y promoción.

El acuerdo, que Singh describe

como “astronómico”, aunque ni él

ni Yankee revelarán su valor, también

incluye una asociación en un

documental sobre la historia del

reggaetón, producido por Yankee y

financiado y producido por UMG,

que pronto comenzará. comprándolo

en plataformas de transmisión

y estudios.

“Daddy Yankee es ese artista

poco común que realmente da forma

a la cultura y cambia el mundo

a través de su música e ideas”, dice

Anthony. “Al convertir el reggaetón

en un fenómeno global, ayudó a impulsar

la explosiva popularidad cruzada

de la música latina. A través de

su música y su espíritu empresarial,

ha creado nuevos modelos comerciales

y una plataforma que ha lanzado

las carreras de muchos de los

nuevos artistas de la actualidad “.

El acuerdo se elaboró el año

pasado en medio del apogeo de la

pandemia. Yankee, distribuido por

UMG desde el acuerdo de Capitol

Latin en 2012, todavía le debe a la

compañía varios sencillos. Pero en

lugar de simplemente entregarlos,

propuso un álbum completo bajo

un nuevo acuerdo: con UMG en lugar

de Universal Music Latino.

“Los fanáticos finalmente están

listos para escuchar un álbum completo

en plataformas de transmisión”,

dice Yankee. “Necesitamos

crear un momento, ¿y qué mejor

gente que Sir Lucian y Michele Anthony

para hacerlo? Republic tiene

un sentido de la cultura [latina] y

tienen muchos latinos en sus equipos.

[Universal Music Latino] era

mi distribuidor, pero todo lo demás

lo hacía por mi cuenta. Ahora,

UMG, son mis socios “.

Aunque la lista de canciones del

álbum aún es un trabajo en progreso,

incluye el sencillo “Métele Perreo”

(lanzado el 2 de septiembre),

una pista de reggaetón vintage de

ritmo rápido con un video que rinde

homenaje a la

Pueblo puertorriqueño de Bayamón,

donde los yanquis entrena a

diario en un gimnasio de boxeo. Y

también incluirá, como es habitual,

colaboraciones con grandes nombres

y promesas por igual. Yankee

siempre está buscando la próxima

estrella lista para romper, como lo

estuvo antes, como el rapero Eladio

Carrion, con quien recientemente

se unió en una pista.

“Lo estoy apoyando y estoy

abrazando lo que está haciendo

porque reconozco la importancia

y la credibilidad del artista que

viene de las calles”, dice Yankee.

“Mi objetivo siempre fue crear

una cultura urbana, en español,

que obtuviera reconocimiento.

Y gracias a Dios, me acerco a mi

cuarta década musical y estoy

viendo los resultados “.

BILLBOARD.BO

35


¿Cuándo decidiste hacer de

la música tu carrera?

No tenía otras opciones. Tenía una

hija, así que pensé: “Tengo que cantar,

de lo contrario, ¿cómo voy a

apoyar a este niño?” El problema era

que estaba iniciando una carrera en

un género que aún no existía. Era

reggae y era rap, pero no reggaetón.

La cultura del reggaetón empezó

con nosotros, en 1990, 1991.

Empezamos a sacar música y

tocar en todos los proyectos de vivienda.

Y empezaron a pagarnos,

poco a poco. Teníamos un DJ y un

tocadiscos, usábamos el mismo micrófono

que el DJ y nos pagaban $

20, $ 50, $ 100.

¿Qué te convenció de que

podría funcionar?

Empezamos cantando en las fiestas

patronales (fiestas patronales

comunes en Puerto Rico) en los

proyectos de vivienda. No teníamos

soporte ni marketing y siempre

éramos el éxito de la fiesta. Fue entonces

cuando me di cuenta de que

teníamos algo poderoso en nuestras

manos. Además, la gente venía a

comprar mis casetes. Hacía calor

en las calles. Otras personas no lo

entendieron, pero yo sí, porque había

sido un gran fanático del rap de

los 80, Run-DMC, LL Cool J, desde

que era niño, y estaba sucediendo

lo mismo que había sucedido con el

rap. aquí, con nosotros.

La nueva generación de

artistas de reggaetón dicen

que ustedes son su inspiración,

tanto musical como

comercialmente. Siempre se

menciona el hecho de que

eres dueño de tus maestros.

¿Por qué tomaste esa ruta?

Nadie quería ficharme. Lo intenté.

Honestamente, nadie creía en

la música, punto. Pensaban que [el

reggaetón] era una moda. Me han

estado diciendo que soy una moda

pasajera desde 1990. Me han dicho

que me retire desde 1990. Llevé Barrio

Fino a EMI y Universal, pero

no estaban interesados en ese tipo

de música. Su oferta fue que me

pagarían $ 10,000 o $ 15,000 para

publicarlo, pero se quedarían con

los maestros. Para entonces, ya había

lanzado Elcangri.com [en 2002]

y había pagado personalmente para

fabricar 50.000 copias que distribuí

por mi cuenta. Si gano $ 5 por

álbum y vendo 50,000 álbumes, $

10,000 no cuadran. Sabía, desde el

momento en que comencé a fabricar

los álbumes, que quería crecer,

pero no tenía el sistema de distribución

para llegar a todos.

¿Estabas haciéndolo completamente

por tu cuenta?

Si. Entonces, cuando entré a negociar,

dije: “Estoy dispuesto a ser su

socio. Necesito que distribuyas mi

producto y me pongas en todas partes

“. Y dijeron que no: “No solo distribuimos.

Contratamos artistas y tu

música no se vende “. Ese es el error

que comete la gente cuando se sienta

detrás de sus escritorios y no está

en la calle. Eso me enseñó a estar

siempre en contacto con las calles.

Las circunstancias cambian cuando

creces como artista y pierdes ese

anonimato y no puedes salir y conectarte

con tu entorno. Pero aquí

en Puerto Rico me relaciono con la

gente, voy a la playa, veo cómo consumen

música, le presto atención y

me permite crear.

Al principio de tu carrera,

antes de hacer sus propios

álbumes, grabó mixtapes

y compilaciones. ¿Cediste

esos maestros?

Si. En ese momento lo hice, porque

no teníamos sentido de la industria

de la música. No sabía lo que era un

maestro. Cuando publiqué Elcangri.com,

no tuve que preocuparme

por nada porque yo era mi propio

jefe y eran mis canciones y mis

letras. Pagaría por los beats, y eso

es todo. Hice la inversión y todo

lo demás fue para mí. Ni siquiera

tenía ASCAP. No sabíamos que obtuvimos

regalías de Airplay. Antes

de [Barrio Fino], todo eran acuerdos

verbales, apretones de manos,

intercambios de canciones. Ahora,

todo requiere un contrato [y una

compensación monetaria]. Barrio

Fino cambió no solo la cultura, sino

el modelo de negocio.

Cuando se habla de “modelo

de negocio”, se quiere decir

que, por un lado, el negocio

se profesionalizó con contratos

y convenios. Pero, por

otro lado, era un nuevo modelo

en el que conservabas

tus grabaciones maestras,

¿correcto?

Fue adoptado no solo por los actos

de reggaetón, tengo rockeros,

salseros que se me acercan y me

preguntan: “¿Cómo te convertiste

en tu propio jefe?” Amigo, porque

no tuve elección. Si nadie quiere

contratar a un niño talentoso hoy,

se graba a sí mismo, se produce a

sí mismo, escribe las canciones y

diseña el álbum. Crea sus propias

oportunidades. Tuve que crear mis

propias oportunidades y se convirtió

en parte de mi ADN.

Construiste tu carrera actuando.

Hoy en día, algunos actos

nuevos tienen cientos de millones

de transmisiones antes

de presentarse en vivo ...

A eso me refiero: ahora mismo tenemos

ascensores, no escaleras. Y

en la música, tienes que subir las

escaleras para navegar por los altibajos.

La mayoría de estos niños me

hablan y lo que veo es que no pueden

lidiar con los fracasos. Trabajaron,

aprendieron a usar Pro Tools y

explotaron. No han pasado por un

proceso. Entonces, cuando lleguen

a esa mala racha, que nos pasa a

todos, ¿cómo lo superarán? Esta generación

no tiene las herramientas

que son vitales para la longevidad.

¿Qué consejo les das?

Hombre, lo que siempre he aprendido

a lo largo de los años: ve al

estudio y haz tu mejor trabajo. La

música es lo que hablará por ti y

lo que realmente conectará con tu

audiencia. Las redes sociales son increíbles,

pero no generan ingresos.

Instagram no me genera ingresos.

Si tuviera Instagram, publicaría

todo mi contenido allí. Pero Instagram

no me paga por mi contenido.

Tampoco Facebook, Twitter o Tik-

Tok. YouTube me paga. Y Spotify y

Apple. Esos son mis aliados. Lanzo

música, te doy contenido y tu plataforma

crece, pero también la mía.

Escuché que cuando trabajas

en una colaboración tienes

un porcentaje fijo que pides,

sin importar con quién sea o

la cantidad de artistas involucrados.

¿Es eso cierto?

Si. Este es un tema difícil de abordar

con los artistas, porque a menudo

saben muy poco sobre el

negocio de la música. La forma en

que lo explico es: “Papi, no estoy pidiendo

más de lo que valgo. Ahora,

si me quieres en tu álbum, me gusta

colaborar, pero no me gusta regalar

lo que es mío. Entonces, ¿el maestro

es tuyo? ¿No? Luego, desde el

principio, trabajo para alguien más

que para ti. No trabajo para usted,

colega, sino para quien sea su due-

ño, su jefe. Soy un jefe, no un empleado.

No puedes pedirle a un jefe

que trabaje para otro jefe. ¿Quieres

colaborar conmigo? Estoy feliz de

hacerlo, pero recuerda que no necesito

hacerlo “. Lo hago porque me

gusta el artista, o me gusta mucho

la canción.

¿Alguna vez te pagó a alguien

por adelantado para

que grabar contigo?

Si. Cuando tuve que pagarle a alguien

por el respeto, lo hice. “Valgo

mucho” - OK. Siempre he entendido

el valor de un artista. Si colaboramos

y me cobra X, está bien.

La mayoría de mis colaboraciones

son intercambios, pero recuerde,

hay una línea muy fina allí. ¿Y si mi

canción funciona, pero la tuya no?

Con suerte, ambas pistas funcionan,

pero no siempre es así, y lo

entiendo. Entiendo que tienes un

valor que necesitas que cubra para

que, al final, estemos todos en un

buen lugar.

Pero el negocio es flexible y yo

soy flexible en muchas áreas. Entiendo

que a veces estamos hablando

de momentos culturales en lugar

de simplemente trazar posiciones.

“China” [el éxito de Anuel con Karol

G, J Balvin, Ozuna y Yankee] es

un buen ejemplo. Lo vi como una

canción importante para el género.

Cuando hacemos estas colaboraciones

con muchos artistas, hay

ocasiones en las que [acordé dividir

divisiones] en partes iguales, porque

es importante para el género. La visión

cultural es lo que me ha permitido

adoptar un enfoque de panorama

general en lugar de simplemente

centrarme en el éxito.

Nunca has tenido un manager

tradicional. ¿Por qué?

En los últimos años, Raphy Pina

ha intervenido como socio. Ayuda

a Mireddys con la gestión, pero yo

nunca tuve un gerente en sí. Tenía

ofertas de administración y de

agencias, pero en ese entonces no

entendían la cultura urbana latina

[Yankee ahora está representada por

WME]. Las agencias ni siquiera tenían

divisiones latinas. Ahora lo hacen.

Me invitaron a Coachella [hace

años], por ejemplo, y la paga era

ridícula. Seguían diciendo: “Es Coachella”.

Mi respuesta fue: “Infórmese

sobre cuál es mi valor y quién es mi

fan”. Ya estaba tocando en escenarios

como el Madison Square Garden y

el Staples Center, ¿me entiendes?

BILLBOARD.BO

37

Bueno, tomó muchos años

para que el reggaetón fuera

aceptado no solo en el

mercado estadounidense

sino también en países como

México y Argentina.

¿Qué papel jugaste en eso?

Me gusta decir que recibí las balas.

Quería que la gente entendiera mi

esencia, de dónde vengo, qué represento.

Pero al mismo tiempo, quería

llevar mi cultura a lo más alto. No

puedo decirte que haya una fórmula.

El reggaetón inicialmente solo se conocía

en la costa este. Cuando lancé

Barrio Fino, la costa oeste no lo entendió.

Iba a Los Ángeles o México

y la gente conocía a Daddy Yankee,

pero no sabían qué era el reggaetón.

Tuve que llevarme la cultura a todas

partes para que se volviera permanente

en lugar de desvanecerse

como otros géneros donde los artistas

simplemente se promocionan a

sí mismos. Cuando hice promoción,

hablé de todos los artistas de mi álbum:

“Este soy yo. Pero este álbum

también incluye a Zion & Lennox,

Plan B, Ivy Queen “. Tuve que tocar

su música y decir: “Estos son ellos.

Esto es reggaetón ”.

Tu álbum actual está incluido

en tu contrato de distribución

Universal de hace

mucho tiempo. ¿Qué habrías

hecho si no estuvieras bajo

ese contrato?

En este momento, ser un indie es

genial, pero si no tienes un socio

importante a largo plazo, te comerán

vivo, porque cada plataforma busca

sus propios intereses. Pero personalmente,

si no tuviera el contrato

de distribución anterior, lanzaría mi

música de forma independiente en

todas las plataformas. No me malinterpretes:

las grandes discográficas

no irán a ninguna parte. Tienen el

poder de su catálogo, de cientos de

artistas, y las plataformas necesitan

ese contenido. Una persona como

yo, que tiene apalancamiento, puede

cerrar tratos directamente con todas

las plataformas y ganar más dinero.

Pero, definitivamente, alguien independiente

explotará, o negociará un

lanzamiento directamente con Spotify

y Apple, por ejemplo.

¿Qué nuevos actos te gustan?

Todos ellos. Soy 100% pro Bad Bunny.

Creo que lo que está haciendo es

realmente importante y lo apoyo en

un millonésimo grado. Ozuna es un

gran trabajador. [Anuel] trae la calle

y el botín de la calle con él. Realmente

admiro la dedicación de Balvin,

y ha sido un pilar en traer una

nueva ola de música de América del

Sur. Me gusta lo que están haciendo

Rauw [Alejandro] y Sech. Maluma

tiene una marca extraordinaria y

está subestimado. Amo lo que está

haciendo Karol.

Es un momento emocionante

y rentable para la música

latina en este momento.

¿Qué desafíos quedan por

superar?

Paradójicamente, la ventaja y la desventaja

son las mismas: tenemos la

oportunidad de estar en términos

uno a uno con los fanáticos, pero

los fanáticos te consumen. Exigen

tanto que el desafío que tienen los

artistas hoy en día es: ¿Cuánto tiempo

puedo durar? Creo que hay una

base de fans que realmente escucha

y disfruta la música, y hay una base

de fans desechable que simplemente

está buscando la próxima novedad

y no permite que la música cree

experiencias en sus vidas. Nosotros

[los artistas mayores] tuvimos

la oportunidad de crear fans para

toda la vida, no solo yo, sino bandas

de rock, baladistas y salseros que

llenan los estadios. No tienen las

mismas transmisiones que tiene la

generación más joven, pero venden

más boletos. Estos artistas más jóvenes

tienen números asombrosos

porque tienen herramientas increíbles

a su disposición, pero yo habría

hecho lo mismo. No puedo ser un

OG resentido.

Ahora que se ha vuelto tan

grande, ¿existe algún peligro

de que el género se vuelva

desechable?

No, no. Por eso nunca me fui de

Puerto Rico. Entiendo la música

global, pero nuestras raíces son realmente

importantes. Esa es nuestra

identidad y nunca podremos

perder esa identidad. Y no creo que

lo hayamos perdido. Hay muchos

niños haciéndolo, pero pasan desapercibidos.

Es por eso que nos ven

a muchos de nosotros grabando

con ellos, porque reconocemos la

importancia de la cultura, incluso

si los números de transmisión aún

no están ahí. En este momento, hay

tantos colores para elegir en nuestra

música. Desde reggaetón hasta trap,

tropical, tropical urbano, todo está

funcionando. Se trata simplemente

de hacerlo bien.


BILLBOARD.BO

39

KAROL G

¿Estás haciendo lo que te gusta, es un

momento extraordinario?

Es un momento súper lindo porque estoy apostándole

100% a lo que siento. Al principio estaba

muy a la estrategia y ver cómo podía crecer, pero

ya llegué a un punto donde dije “si voy a hacer

esto el resto de mi vida, que sea porque me gusta

y que de verdad me representa”. Este último año,

mis letras han sido el reflejo de cómo me siento

como persona, como estoy en el día a día y lo que

veo que sucede alrededor. Todo se está alineando

a lo que es Carolina, y no tanto Karol G.

“El mensaje es amar

la diversidad”

La artista ya despliega su “Bichota Tour”, gira por los Estados Unidos

en la que recorrerá un total de once locaciones y que comenzó el 27

de octubre en Denver y finaliza el 26 de noviembre en Miami.

POR SANTIAGO TORRES Y JULIÁN MASTRÁNGELO

Después de haber sido galardonada

con los premios Artista Femenina

del Año Top Latin Song y Top

Latin Album en los pasados Premios

Billboard de la Música Latina, la colombiana

Karol G volvió a escena para anunciar su alianza

con la empresa Smirnoff. Esta unión busca llevar

el mensaje de la artista de respetar al otro y querernos

como somos a nivel global y a todos los

rincones donde la bebida diga presente. “Muchas

marcas me han ofrecido trabajar con ellas pero

si no hay un mensaje puro de fondo no lo hago,

Smirnoff lo tiene y me encanta que sea ‘amar la

diversidad”, afirma.

Dentro del repertorio elegido para el tour, que

se conforma por las canciones de su último álbum

KG0516, se encuentra “Tusa”, single que continúa

hoy con el récord de semanas consecutivas en el

número uno del Billboard Argentina Hot 100,

con 24.

¿Podés disfrutar más ahora que conocés

la industria?

Hubo un momento durante la cuarentena donde

podía salir a pasear, ya que no había shows ni entrevistas

presenciales, disfrutaba un poco más el

día a día. La verdad es que ahora mismo tenemos

la agenda acomodada hasta fin de año de 2022. El

equipo me dio tres días para irme a las Bahamas

antes de empezar “Bichota Tour” así que estoy feliz

por ese lado porque arranco la gira recargada.

Cuando todo paró yo también paré. Me conecté

conmigo misma, que es algo que antes

realmente no hacía porque es una carrera que

demanda mucho tiempo. En lo personal amo que

vamos a empezar los conciertos, es mi parte favorita

porque necesito conectarme con el público

en directo.

¿Cuál es tu trago favorito?

En cuanto a Smirnoff, el de manzana verde. Hace

mucho tiempo lo tomaba en casa con platanitos

verdes y guacamole, era prácticamente diario.

Combinación perfecta.

¿El empoderamiento femenino es algo

que tenga fecha límite?

Es un proceso que no termina nunca. Las mujeres

vamos a estar presente al 100% como los hombres.

Es algo que todavía está en proceso porque

es un estudio y una pelea constante, pero ya es

algo real. Como mujeres estamos ahí, representando,

formamos parte de los charts, la industria

nos respeta…

Fue un honor para mí que la doble portada de

Billboard fuera con Daddy Yankee, es el GOAT

del género donde empezó la carrera de Karol G.

Una de las cosas que siempre he querido llevar

con todo lo que hago es la igualdad y la búsqueda

de querernos como somos y respetarnos entre

nosotros, es una de las cosas más bonitas que

me dio esta alianza con Smirnoff. He tenido propuestas

de marcas pero si no tienen un trasfondo

puro, el beneficio no es igual. Se van a dar cuenta

del mensaje tan lindo que hay, que no es otro que

amar la diversidad.

¿Significa algo para vos que “Tusa”

siga manteniendo el récord de semanas

consecutivas en el Hot 100 Argentina?

Más que llegue al número uno o que nos den

premios por ella, lo que es de verdad significativo

es ver cómo una canción marcó a toda una

generación. Lo digo con orgullo, no quiero que

sea algo engreído. La cantaban hombres y mujeres

por igual, en fiestas, en la casa cuando empezó

la cuarentena… Es algo muy lindo, mi carrera

tuvo un antes y un después con “Tusa”. Me di

cuenta con ella que mi música podía sonar en el

mundo entero, tanto como Karol G como Carolina

también.

FOTO: HEATHER HAZZAN PARA BILLBOARD

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NATTI NATASHA

Celebrar la

vida a través

de la música

La artista dominicana acaba de ser madre de su primera hija junto a Rafael

Antonio Pina Nieves a la que bautizó Vida y lanzó su segundo álbum, que incluye

colaboraciones con Maluma, Becky G, Justin Quiles, Miky Woodz, Fran Rozzano, Nio

García, Farina, La Duraca, Prince Royce, Mambo Kingz, Slow Mike, Bassjackers, Dimitri

Vegas & Like Mike y la argentina Cazzu.

POR FLORENCIA MAURO, JOSEFINA ARMENDÁRIZ Y SANTIAGO TORRES

FOTOGRAFIADA POR: MIGUEL DUCOS


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43

A

una semana de

lanzar su segunda

obra y a cuatro meses

de ser madre, Natti

Natasha se siente

feliz, estable y completa. En sus palabras,

la experiencia materna y este

nuevo álbum dieron lugar a “una

vida completamente nueva”. El sucesor

de Illuminnati es un trabajo con

17 canciones que cuenta además con

la participación de productores más

populares de la escena latina como

Tainy, Rudeboyz, Sky Rompiendo,

Luny Tunes, Edgar Barrera, Dímelo

Flow, DJ Luian, entre otros. La artista

también convocó al ícono del

reggaetón, Daddy Yankee, para colaborar

en composición y producción.

Natti Natasha es una de las mujeres

con mayor impacto en la industria

de la música latina. Actualmente,

la dominicana permanece en el

Billboard Argentina Hot 100 con su

colaboración “Ram Pam Pam” junto

a Becky G, también parte de Nattividad,

que se mantiene en el 27º del

chart.

Considerada una de las embajadoras

de la bachata, la artista tomó

el rol de ejemplo y demuestra que

la maternidad es compatible con los

escenarios: “Nattividad es resultado

de muchos sacrificios y momentos

lindos a la vez”.

“El hit cambia y la fórmula

nunca es una”

¿Por qué Nattividad?

El nombre es perfecto para todos

mis proyectos paralelamente. El

álbum, mi niña y este renacer de mí

misma personalmente. Siento que

resume todo lo que me ha pasado en

estos últimos años porque definitivamente

trabajar en un proyecto no

es fácil y ha resultado en uno de los

momentos más lindos de mi vida.

Tener un bebé y trabajar a la vez no

es fácil, pero cuento con un gran

equipo de trabajo que gracias a dios

lo ha permitido.

¿Por qué priorizaste el reggaetón

como sonido primario

en el álbum?

Tengo la oportunidad de hacer muchas

cosas y vienen nuevos proyectos,

pero no hay nada mejor que el

mundo latino. Nosotros tenemos lo

que necesitamos. Nosotros tenemos

energía, hacer ese reggaetón era algo

que quería hacer, se sentía correcto y

lo quería así. Siento que el resultado

es el perfecto.

¿Cuál fue el aporte de los

productores?


Yo tengo los mejores productores

del mundo. Soy súper fanática de

Daddy Yankee, que cumple ese papel

en mi álbum, con Edgar Barrera,

Chino y más. Todos supieron muy

bien que yo no quería perder la

esencia de Natti Natasha. Ahora más

que nunca, yo estoy representando

al género urbano, en un mundo en

el que no iban a entender que yo

también iba a ser mamá dije: “no

vamos a perder la esencia de Natti

Natasha” y me apoyaron. Trabajando

con productores de esta índole, la

ganadora soy yo.

¿Qué te generó el premio

Billboard Salón de la Fama

para Daddy Yankee?

A DY todos lo tomamos como ejemplo.

Su disciplina, su forma de ser,

es un ícono, una leyenda viviente.

Se merece la nominación, el premio

y más. Ha luchado tanto. Todavía

tiene la humildad de tener los pies

en la tierra y siento que eso ya no se

ve en estos tiempos. Es un ejemplo

a seguir para muchos talentos que

están surgiendo.

¿Cómo incorporaste a tu hija

en este momento?

Creo que ella me incorporó a mí.

Ella me enseñó a tener mucho más

balance en mi vida, en mi día a día,

es como un organizar eterno. Siempre

trato de balancear todo. Ella me

ha organizado a mí, he aprendido

mucho con ella. Era lo que me

faltaba en mi vida. Me siento estable,

feliz, realizada, me siento completa.

Una vida completamente nueva.

¿Se puede ser mamá y artista

full time?

La realidad es que en todos los

videos de Nattividad estoy embarazada.

Los fans estaban esperando

tanto un proyecto y yo tenía que

darles algo completo, con audiovisual,

todo. No sabía cómo iba a

quedar después del embarazo. La

verdad que nunca me ha gustado

pausar mi carrera, a mí me encanta.

No me gusta estar muy tranquila,

sentada, y siento que es un ejemplo

para mi hija ver que su mamá siguió

trabajando, luchando, peleando por

lo que ella quiere. Más que nunca

tengo que respaldar este proyecto

y que ella es parte de este proyecto.

Gracias a Dios me dio la energía,

no para todo el mundo es igual,

pero dije “por si acaso no tuviera la

energía después, voy a hacer todo lo

que pueda antes”.

¿Cómo ves la posición de las

mujeres en la industria?

Realmente hay un movimiento de

mujeres que está tomando protagonismo

en la industria. Sí, definitivamente,

mucho más que antes. Las

redes sociales fueron parte de eso,

dieron la oportunidad a mostrar el

trabajo con mayor facilidad.

¿Sentís que con Becky consolidaron

ese movimiento

al crear una colaboración

juntas?

Yo soy pro colaborar. Siento que,

de esa manera, uno siempre se

mantiene a flote, uno mantiene el

movimiento arriba, especialmente

en las mujeres. Mantener un movimiento

que antes no existía. Becky y

yo fuimos la primera colaboración

mundial donde dimos el ejemplo de

que se puede ser exitosa aún así colaborando

y de esa manera pudimos

crecer y marcamos una diferencia.

Soy de República Dominicana,

la cuna del reggaetón, y siempre

tomé como ejemplo la colaboración

porque ahí colaboraron desde el

inicio, antes que las redes sociales

existan, veía las colaboraciones y esa

unión siempre fue ejemplo para mí,

siempre estuvo.

¿Qué quedó de tus inicios

cantando en la iglesia?

Fue mi formación. Fue eso lo que

me llevé de Santiago, en República

Dominicana. Todos los momentos

de tu vida son muy importantes y

son caminos que te llevan a lo que

quieres ser. Dios es una parte esencial

de la vida de Natalia Gutierrez.

¿”Un imposible amor” es un

“cuento breve”?

Ríe). Creo que es el cuento más

largo que puede existir. Un cuento

breve es ese amor que pensabas que

iba a perdurar en la eternidad y se

esfumó.

¿A veces cuando tenés “Un

Imposible Amor”, necesitás

que tu corazón se vuelva

“Frozen”?

Hubo un momento en mi vida en

el que mi corazón estaba “Frozen”,

y fue calentando hasta estar como

está hoy.

¿Y hoy cómo está?

Hoy mi corazón está completo. Hoy

está vivo “Hasta que salga el sol”.

Ya por fin siento que tiene lo que

necesitaba.

¿Qué hacés antes de que

salga el sol?

Antes de que salga el sol doy leche,

me mantengo despierta más de lo

que pensaba, sigo muy creativa en

mi cabeza, puedo estar con la bebé

en un brazo y pensando cosas para

hacer.

¿Fue la colaboración con

Maluma saldar una cuenta

pendiente?

Hace muchísimo tiempo quería

colaborar con Maluma. Es un artista

“Nattividad es resultado

de muchos sacrificios y

momentos lindos a la vez”.

tan querido, tan talentoso. Encontré

mucha química, tenemos una linda

relación hace muchos años, pero

hasta que no estaba la canción perfecta

no se daba la colaboración. En

mi caso, tenía la maqueta, la composición

de Edgar Barrera. Pensé que

era el color perfecto para Maluma.

Pero de ahí a que dijera que sí tenía

que gustarle y conectar con ella.

Él dijo que sí y fue una bendición.

Siento que la dinámica de la canción

es bastante interesante.

¿Qué cosas no querés saber?

“No quiero saber” nada negativo.

Esa es una canción que escogí, canté,

interpreté, pero es especial porque

tenía las maquetas de las otras canciones

y cuando me enteré

BILLBOARD.BO

45

de que estaba embarazada, me tomé

el atrevimiento de hacer más, hacer

todo lo que yo quiera hacer aquí. Un

día buscaba la manera de hacerla

en español, pensaba que era una

canción tan delicada que no quería

dañarla. Quería que sea espectacular

y diferente. Me grabé para las redes

sociales y el mismo día me escribió

Chino, un productor, con una

canción para mí. Esa fue una luz

divina, tenía meses dudando cómo

hacerla, pensando cómo no dañar la

versión original, y lo logré. La hice

con “Hablando de Mí”, una canción

un poquito descarada, me tomé el

atrevimiento, me fui a mis tiempos

de Nueva York. Hice muchas canciones

que sentía que tenía que hacer

ahora.

¿Tu música refleja tus “crisis

positivas”?

Es un arma de doble filo, cuando das

todo tu sentimiento a las canciones

por cosas que te han pasado, es

como que volvieras a ese momento

de tu vida. Esa es la única forma de

sacar ese sentimiento e interpretar y

llevar el mensaje que quieras llevar

en la canción. Te da la oportunidad

de expresarte y que las personas

que escuchan conecten porque

pasaron algo similar. Lo hice asunto

mío, porque sabía que tenía que

mantener mi esencia, lo comuniqué

a todos. Daddy Yankee fue compositor,

productor y una parte esencial

y me entendió. Le dije: “Estoy embarazada

y quizá allá afuera mucha

gente no va a entender que sigo

siendo Natti Natasha, aunque vaya

a tener una criatura, pero en este

momento es más importante para

mí romper ese cliché y decir que

puedo ser feliz en todas mis facetas

porque voy a poder seguir haciendo

música porque soy feliz”. Y mi

manera de demostrar que soy feliz

y de ser un ejemplo para mi hija es

que yo nunca cambié quién yo soy.

Como con mis fanáticos, para poder

ser feliz para ella, necesito ser feliz

yo también.

¿Qué no puede faltar en una

canción tuya?

Yo trabajo mucho en que mi esencia

se mantenga. Creo que la gente

conecta con mi esencia. Siempre

soy Natti Natasha. Siento que las

canciones resaltan porque es una

bendición de Dios. Me preocupo

mucho porque me gusten, no hago

algo que no me guste. No importa

qué género, qué color. Puede ser un

reggaetón, una bachata, un dancehall,

pero tiene que ser algo que me

encante por completo.

¿Qué opinás de la legalización

de la marihuana?

Es una decisión muy personal.

Conozco personas que lo hacen por

salud, y creo que mientras no les

hagan daño a otras personas, está

bien. Yo lo hice en un pasado, ahora

mismo no, pero no me ha afectado.

Definitivamente no voy en contra.

¿Qué mensaje querés dar

sobre la música latina?

Que la música se trata de ser creativo,

de hacerlo muy a tu manera.

Esos días que me veían tímida era

yo queriendo mostrar todo mi

esplendor, pero sin saber si me iban

a aceptar de la forma que yo quería.

Como lo hice con este disco, aun

estando embarazada, dije: “Voy a

seguir siendo yo porque eso es lo

que he implantado desde el primer

día y es como siempre me van a

conocer”, lo más transparente y real

posible. Las canciones las hice en

una etapa de mi vida muy difícil al

principio, que luego se tornó demasiado

hermosa. Con toda la energía

del mundo, que sigan de la manera

que van que esto se trata de seguir

con disciplina, rajando la carretera,

demostrando quién eres con buena

música.

SHOW: LUCHO SIERRA. NIÑOS: ARCHIVO PERSONAL MYR


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LOLA ÍNDIGO

Un éxito con

acento español

La cantante y bailarina oriunda de Granada estuvo de visita en Buenos Aires en el

marco del lanzamiento de su segundo álbum La Niña, que cuenta con el single “La niña

de la escuela” junto a TINI y Belinda, que lleva 17 semanas en el Billboard Argentina

Hot 100.

POR FLORENCIA MAURO Y JULIÁN MASTRÁNGELO


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Desde su nacimiento

en 1992, Miriam

Doblas - nombre

verdadero de Lola Índigo

- se caracterizó

por su pasión por la música, el baile

y el arte en general. Previo al comienzo

de su carrera como cantante

y artista multifacética, la española

se desempeñó como profesora de

baile, llegando a participar en musicales

en sitios dispares como China

o Los Ángeles junto a artistas como

Chris Brown, Miguel Bosé, Enrique

Iglesias o Marta Sánchez, entre muchos

otros.

Ya en 2017 dio sus primeros pasos

como cantante, llegando a participar

del programa Operación Triunfo,

un reality show español dedicado al

crecimiento de promesas del mundo

del entretenimiento musical. Sin embargo,

no fue hasta 2018 que lanzó

su primer single bajo el nombre de

Lola Índigo, “Ya No Quiero Ná”, con

el que logró ingresar al Top 50 de

Spotify y superar a día de hoy los 90

millones de reproducciones en su canal

oficial de YouTube.

Akelarre, su primer disco de estudio

se lanzó a la venta el 17 de mayo

de 2019, incluyendo diez canciones

originales como “Mujer Bruja”, junto

a Mala Rodríguez; “Maldición”,

con Lalo Ebratt o “Fuerte”, videoclip

que cuenta a día de hoy con más de

13 millones de reproducciones.

Días atrás, vino por primea vez

a la Argentina para promocionar

su música e incluso sorprendió

al presentarse en el escenario con

“Dime Como Hago”, de María, en

aleatorio en Spotify, y me volvió

loca. No sabía quién era ella y la

empecé a seguirla al instante. Es

un amor, es una persona cariñosa,

generosa, muy humilde, talentosa…

la amo”, dice sobre ella. “María

pensó la idea del remix, lo comentó

por arriba y durante la cuarentena le

mandé un mensaje y le dije: 'Si vas

a hacer remix de “High”, yo estoy.

Cuenta conmigo que te mando todo,

ya se hasta lo que quiero hacer.

En España va a ir de lujo'”. A los

días me escribió para decirme que

TINI se había subido y me flipé, ya

tenía pensada una colaboración con

ella así que la verdad que estuve encantada”,

recuerda.

“Hoy estoy muy bien, súper, muy

feliz de estar aquí en Buenos Aires”,

abrió la charla con Billboard AR.

¿Se pueden hacer paralelismos

entre tu historia y el

disco?

Sí, además es un disco muy variado,

tiene R&B, reggaetón, twerk, pop

punk…

¿Te gusta dar “2 besos” o “4

Besos”?

Por mi daría “4 Besos”, acá en Argentina

me cuesta mucho acostumbrarme

a dar uno solo, siempre quedo

colgada con el segundo.

¿Jugabas con los Tamagochi?

Tuve, pero siempre se me morían

porque soy un poco desastre para

.¿Te dejan sin palabras cuando

te dicen: ‘’No sé qué

decir’’?

Una vez se me declararon, yo estaba

borracha y yo ya quería besar y

demás, pero esa persona me frenó

y me dijo que le gustaba de verdad,

que sentía cosas reales por mí y yo

no sabía que decir. Es muy raro dejarme

sin palabras a mí, pero esa fue

una declaración súper sincera que

me revolvió todo.

¿Imaginabas el éxito de "La

Niña de la Escuela?"

Ni de coña. "Ya no quiero Ná" alcanzó

el status de himno en España,

fue muy importante para mucha

gente. Salió en verano, tuvo un

mensaje muy chulo y en la calle la

gente me cantaba la melodía y ahora

cuando me ven por la calle dicen:

‘’ella es la niña de la escuela’’. Estoy

feliz porque lo he vuelto a hacer.

¿Alguna vez algo te salió

como el “Culo”?

Si, muchas veces, me he equivocado

mucho. Debemos normalizar que

los artistas nos equivocamos, tenemos

derecho a hacerlo, a cambiar

de opinión, a desafinar, a hacer lo

que sea porque somos humanos, no

somos robots, no podemos tener el

control de todo.

Pero llegó Khea y salió un

buen “Culo”…

Llego Khea y salió un “Culo” increíble,

estos días he conocido a la estilista

que le hizo el look a él y hablábamos

de lo impresionante que que-

“Debemos normalizar que los

artistas nos equivocamos, tenemos

derecho a hacerlo, a cambiar de

opinión, a desafinar”.

LOLA ÍNDIGO

ña. Somos como hermanos. Ahora

sacamos una colaboración en su

disco, nos queremos y admiramos

mutuamente. Con Lyanno me hubiera

encantado hacer el video de

la canción porque la amo, pero al

menos me queda un recuerdo con

una artista que me encanta, su voz,

su flow es lo más.

¿Tenes alguna “Calle” favorita?

El Paseo de los Tristes de Granada,

pese a su nombre no es nada triste,

es el lugar más bonito de Granada

para mí.

¿Qué te hizo sentir el contacto

con los fans de Argentina?

Mucha emoción, saber que escuchan

mi música desde tan lejos

es emocionante, internet nos ha

cambiado la vida y la pandemia me

acerco a este país con “High Remix”,

voy a estar siempre agradecida a

María y a TINI.

¿El rosa te identifica con las

niñas o con la inocencia?

Con la inocencia. No me gusta decir

que el rosa es un color de niñas ni

de niños, para mi es el color de pureza,

inocencia, de Britney en “Baby

One More Time”.

¿Cuál es la mejor lección

que la música te dio?

Quizás que cada uno tiene su manera

de hacer el arte y que todos

resonamos y latimos de una manera

diferente, todo es válido.

TINI y María Becerra: junto a ellas

cantó “High Remix” y “La Niña de

la Escuela”.

Con María Becerra fue la primera

vez que se vieron en persona, ya

que, si bien coincidieron en “High

Remix” lanzada en el verano de

2020, debido a las restricciones de

la pandemia no pudieron conocerse.

“Recuerdo que una vez me salió

casi todo, los shows y los ensayos es

lo único que domino.

¿Sos muy obsesiva con tus

shows?

Soy muy controladora de absolutamente

todo, es un problema que me

tengo que quitar, vivo segura de que

las cosas van a salir bien si se hacen

como yo quiero

dó el video. Amo a Khea, lo admiro

un montón, le estoy muy agradecida

y espero verlo pronto.

¿Cómo se dio el acercamiento

con los artistas que

colaboran en el disco?

Con Guaynaa nos hemos llevado

bien desde que nos conocimos, nos

la hemos pasado increíble en Espa-

¿Pensás que es el momento

de la canción en español?

Sí, conviene aprovecharlo y hacer

juntes con gente de fuera. Yo misma

estoy intentando tirar cositas con

gente que canta en inglés y me parece

brutal. Es increíble que sea al

revés y que ellos quieran colaborar

con artistas que cantan en castellano,

casi nunca fue así


BILLBOARD.BO

51


YOUNG BLADE

“Mi principal inspiración

es mi familia”

La carrera del músico y productor Lewis Pérez, conocido como Young Blade, está

creciendo en la escena latinoamericana luego de su éxito “Mantecado de coco”.

POR VITTORIO LEMA Y BENJAMÍN GARCÍA

FOTO: GENTILEZA YOUNG BLADE

Así es, la actualidad del artista

muestra que su canción “Mantecado

de coco” ya superó los 40 millones

de reproducciones entre Spotify y

YouTube y fue galardonado con el Disco de Oro,

certificado por RIAA (Recording Industry Association

of America).

“Al principio con “Mantecado de Coco” ocurrió

que tenía las voces y la idea pero me faltaba

la plata para invertir en el tema. Luego ocurrió lo

que todos ya saben, hicimos la canción y lo demás

es historia”, reconoce el músico.

A lo largo de su carrera, con tan solo 26 años,

ha colaborado con artistas de la talla de Nio García,

Bryant Myers, Alex Rose y nada ni nada menos

que Arcángel, uno de sus referentes.

Actualmente, la joven promesa del género urbano

se encuentra trabajando bajo el sello JUNGL

de Jaime Cosculluela, reconocido productor de la

música latinoamericana.

¿Influyó la pandemia en “Mantecado de

coco”?

Sí, salió a los pocos días de comenzada la pandemia.

Creo que si no hubiera venido todo lo que

vino seríamos aún más grandes de lo que somos.

Por suerte la pegamos, pero como siempre digo es

más difícil mantenerse que pegarla.

¿Qué hiciste durante ese periodo?

Me encerré a grabar mucho. En todo momento.

La use para mejorar mis temas, para hacer nuevas

canciones y dio resultado. Usé la pandemia a mi

favor. Escribí cerca de cien canciones. Hay varias

que se están trabajando ahora mismo. Todo lo

que va a venir salió en pandemia. Estoy por lanzar

una canción que se llama Valentino y la idea

es sacar un tema mensual fijo.

Acabas de lanzar el sencillo Instagram

junto al reconocido Bryant Myers.

¿Cómo surgió esa canción?

La canción la escribimos juntos durante la pandemia.

Es un tema fresco que por suerte tuvo muy

buena recepción en la gente. Al video lo grabamos

en Miami, quisimos mostrar la química que hay

entre nosotros y creo que se logró.

¿Cómo es tu proceso de grabación?

Habitualmente escucho un beat, le doy un tarareo

y ahí nomás monto la letra. Hay veces que ni siquiera

escribo las letras. Creo que por eso mismo

mis canciones salen tan duras y la gente se identifica

tanto. No escribo falacias, hago lo que siento.

¿Qué es lo que más te inspira a la hora

de escribir?

Mi inspira mucho la vida, pero sobre todo mi familia

y las personas queridas. Ver la cara de ellos

viendo mis shows es lo que más me inspira.

¿Cuáles son tus mayores influencias?

Tengo tres: Arcángel, Don Omar y Tego Calderón.

Pero sinceramente no sueño con ser como

ellos. Realmente quiero crear una nueva historia,

no quiero trazar la historia que otro recorrió.

¿Qué es lo que más te gusta de poder

vivir de la música?

Muchas cosas. Nunca hubiera imaginado tener

una entrevista con Billboard. Este tipo de cosas

recalcan lo que yo siempre digo. Todo lo que te

propongas lo podés lograr siempre y cuando trabajes

fuerte, los sueños nacen durmiendo pero no

se concretan durmiendo. Hay que tener disciplina,

hay que tener hambre. Todo los días hay que

darle como si fuera el primer día. Yo voy al estudio

todos los días.

¿Cuáles son tus principales objetivos

en la música?

Que mi familia pueda estar bien gracias a mi

talento. Yo no sueño con ser Daddy Yankee, Bad

Bunny, Don Omar, Anuel AA, yo sueño con

que mi familia esté bien gracias a mi trabajo. Mi

sueño no es ser como fulano, yo quiero comprarle

una casa a mi papá y que mis hermanos

estén bien.

“Todo los días hay que darle

como si fuera el primer día. Yo

voy al estudio todos los días”.

- YOUNG BLADE

¿Qué consejo le darías a las nuevas generaciones

de artistas que están dando

sus primeros pasos?

Que le hagan caso a su corazón. Tengo familiares

que me decían “suelta eso que no vas a ser cantante”.

Hoy en día mantengo a esa familia. Hay que

trabajar para ser feliz. Hay que trabajar fuerte, todo

el que trabaja fuerte obtiene sus recompensas.

BILLBOARD.BO

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FOTO: GENTILEZA ORGASMO

ORGASMO

“Hay que reinvertir en la banda”

El grupo oriundo de Tarija se formó en 2014 y hasta la fecha cuentan con dos discos de

larga duración: No me vengas a mamar, de 2017, y Equimosis, lanzado en 2020.


El género predilecto de los ahora

cinco tarijeños es el rock, influenciado

por bandas como Molotov o Red Hot

Chili Peppers y música negra como el

funk y el soul. Uno de sus fuertes es el vivo, en

donde aprovechan para potenciar sus canciones al

combinar virtuosismo, potencia y ritmos bailables.

“Para nosotros es muy gratificante saber que hay

personas que escuchan nuestras canciones, es

esencial, soñamos esto desde que empezamos con

el proyecto”, reconocen.

¿Cómo fueron sus comienzos?

Nos formamos sin antes haber pasado por otra

banda, nuestro principal objetivo era divertirnos

e intentar tocar un poco de música. Nuestras

principales influencias son las bandas que mezclan

el funk con el rock y que tienen personalidad

como Red Hot Chili Peppers o Faith No More,

por ejemplo.

¿Qué bandas bolivianas los han influenciado

o escuchan actualmente?

Escuchamos de todo, hay muchas bandas que nos

gustan. El Grillo Villegas, en todas sus formaciones,

nos parece alguien fundamental para la música

de nuestro país, también Matamba nos encanta,

todo lo que hace y sobre todo sus shows en vivo.

¿Actualmente cómo producen sus

canciones?

Las últimas canciones las estamos maqueteando

en nuestras computadoras, pero una vez que terminemos

de definir los temas se los pasaremos a

productores para que los trabajen de otra forma.

La idea para nuestro próximo trabajo es que esté

producido por productores internacionales, con

el objetivo de buscar otro sonido en la banda. La

idea de Orgasmo es evolucionar permanentemente.

A cada uno de nuestros discos los hemos

grabado de distintas formas, siempre tratamos

de innovar.

¿Cómo es Orgasmo dentro del estudio?

Al principio íbamos con una idea más clara al

estudio, a la antigua, en el segundo disco fue

distinto, algunos temas ya estaban grabados y

“Creo que nos gustaría tocar

en Argentina, muchos rockeros

han dicho que es el mejor

público”.

- ORGASMO

luego los mandamos al estudio, y en este último

que estamos preparando va a ser en su mayoría

a distancia.

¿Cómo se ven de acá a cinco años?

Sería un sueño tener muchas más canciones y

discos. Pase lo que pase externamente ojalá que

sigamos creando música, poder evolucionar más

y ser más profesionales en algunos aspectos que

creemos que nos faltan. De todas formas, no nos

atrevemos a pronosticar en el tiempo después de

todo lo que pasó con la pandemia (risas).

¿Hay algún show favorito que hayan

dado en el último tiempo que les haya

gustado?

El primer concierto que dimos fue una sensación

única, al ser la primera vez y ver a tanta gente fue

una sensación inigualable, también hay otro show

en Sucre que fue muy cool y la gente se emocionó

demasiado. En ese show había gente llorando, la

gente nos pedía autógrafos. Pero cada una de las

tocadas tiene lo suyo.

¿Y cuál sería su show soñado?

Creo que nos gustaría tocar en Argentina,

muchos rockeros han dicho que es el mejor público.

No sé, pensamos en el Teatro Coliseo de

Buenos Aires, por ejemplo, con todo el público

conectado.

¿Qué consejo le darían a las nuevas

generaciones de músicos que recién

comienza?

Lo más difícil son los primeros pasos. Hay que

animarse y hacerlo con actitud, obviamente después

hay momentos en los que te vas a frustrar,

que te vas a preguntar por qué no buscaste algo

que te de satisfacción momentánea, pero es un

largo camino. Pero cuando lleguen esas satisfacciones

va a ser inmejorable. La música trasciende

y se siente y eso es inigualable.

¿Cómo ven el panorama actual de la

música en Bolivia?

Creemos que de a poco va evolucionando. Se

puede vivir de la música hoy en día. Hay que

organizarse bien y administrarse. Eso es fundamental.

Hay que reinvertir en la banda. Creemos

que también es importante, al comienzo, tratar de

ganar dinero por otra parte y que eso no condicione

tu música, que muchas veces se corrompe

porque los músicos necesitan dinero y terminan

resignando su esencia.

BILLBOARD.BO

57


GARY SUÁREZ

“Quiero que la gente vuelva a

creer en el amor”

Recientemente, con el objetivo de seguir expandiendo sus

fronteras musicales y darle visibilidad a artistas que están dando

sus primeros pasos, lanzó “Me gustas”, junto a la joven promesa

Cami Pavisic.


Luego de la canción “Nena tranquila”, la

carrera de Gary Suárez cambiaría para

siempre. Con este hit, que actualmente

en Spotify supera las 230 mil reproducciones,

el músico nacido en Cochabamba pudo

abrir el show de Bad Bunny en Bolivia ante tocar

ante 30 mil personas e ingreso a importantes

playlists de música latinoamericana.

“Estoy muy agradecido de esta canción, porque

hasta el día de la fecha es la que más alegría me

dio y con la que el público más se ha identificado”,

reconoce Gary.

“Con Cami nos conocimos en la presentación

de Billboard Bolivia y tuvimos una conexión que

hizo posible esta canción al ritmo del reggaetón

romántico”, explica el autor de “Adiós amor”.

¿En qué te inspiras para escribir tus

letras?

Así es, la mayoría de mis canciones hablan de

amor. Últimamente vengo escuchando canciones

que dicen que las mujeres tienen que tener muchos

hombres y yo quiero darle una vuelta a eso.

La idea es que la gente vuelva a creer en el amor

y es por eso que antes de escribir una canción me

propongo contar lo bonito que es estar enamorado.

Simplemente eso.

me enseñó mucho del género urbano. También

algo que escuché y voy a escuchar toda la vida son

Los Kjarkas. De afuera hoy en día me gustan mucho

Camilo y Sebastián Yatra, esa línea de letras

limpias y mensajes positivos que tienen ellos es lo

que estoy buscando.

¿Cómo nació “Nena Tranquila”?

Es una historia que viví y que sentí en su momento

con mi pareja. El objetivo fue que la gente se

identifique con la canción. Y creo que lo logré. Al

comienzo tardó en popularizarse, pero cuando

empezó a sonar en Radio Disney todo cambió.

Después, Spotify la empezó a agregar a listas y

empezó a sonar mucho más. Luego sucedió lo que

todos saben, la canté ante 30 mil personas antes

del show de Bad Bunny. Esa noche me fui a casa

llorando de la emoción, nunca me había pasado

algo similar.

¿Cómo te ves de acá a cinco años?

Me veo en los premios Billboard, haciendo colaboraciones

con artistas internacionales. También

me gustaría apoyar a nuevos talentos locales, veo

una falla muy grande en composición acá en Bolivia,

aunque en el último tiempo de a poco está

empezando a cambiar.

FOTO: GENTILEZA GARY SUÁREZ

¿Compones solo todas tus canciones?

¿Cómo es el proceso?

Compongo todos mis temas, desde muy pequeño.

Primero empecé con boleros y canciones románticas

del estilo de Luis Miguel. Hoy en día estoy enfocado

en el reggaetón. Mi mayor momento de inspiración

llega cuando estoy de resaca, al otro día de

haberme agarrado una borrachera. Ahí es cuando

escribo mis mejores canciones porque me pongo

sentimental y se me abre el corazón. Las melodías

van surgiendo cuando me pongo a escribir, me

encanta componer, hay veces que tengo bloqueos

pero agarro el lápiz y algo surge. Pienso que hoy estoy

en mi mejor momento, dándolo todo.

Mencionaste a Luis Miguel, ¿qué otros

artistas locales e internacionales te

inspiraron?

En mis comienzos me inspiró mucho J Louis, él

¿Qué pensás que le falta a la industria

musical boliviana?

Aquí hace falta una escuela para jóvenes para que

desde pequeños aprendan a tocar instrumentos.

Falta fomentar un poco todo eso.

¿Vos cómo llegaste a la música?

La música en mi caso viene de familia. Siempre

en casa se escuchó música y hubo instrumentos.

Mi padre fue quien me la inculcó. Estoy totalmente

agradecido, sin él no podría haber elegido

esta profesión tan bonita.

Has cumplido con varios de tus objetivos ¿Cuál es

tu mayor sueño?

Hacer música es lo que más me gusta, es un

sueño que ya cumplí. En futuro me gustaría retirarme

habiendo aportado un granito de arena

para la música y para mi país. Me gustaría trazar

un camino para futuras generaciones.

BILLBOARD.BO

59

ABRAHAM MATEO

“ L-Gante me sorprendió, dejamos

material grabado en el estudio”

El videoclip de “Repetíamos” fue dirigido por Willy Rodríguez y producido por Javier

Bores desde su compañía Júpiter Films entre Almería y Madrid.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

Desde que comenzó su carrera

artística con tan solo seis años, Abraham

Mateo ha estado en la escena de

la música hispana a base de singles,

álbumes y colaboraciones con algunos de los

artistas más influyentes del mundo – 50Cent en

“Háblame Bajito”, Yandel y Jennifer Lopez en “Se

Acabó el Amor” o Manuel Turizo en “No Encuentro

Palabras”, entre otras -.

“Gente como 50 Cent, por ejemplo, que me

brinda su amistad, para mí es una bendición y

lo valoro un montón”, afirmó. Hace dos semanas,

el joven artista publicó a través de sus plataformas

digitales “Repetíamos”, hoy en día con

más de 1.4 millones de reproducciones en su

canal de YouTube. El videoclip fue dirigido por

Willy Rodriguez y producido por Javier Bores

desde su compañía Jupiter Films entre Almería

y Madrid.

¿Te dicen que en tus canciones tienes

tonos centroamericanos?

Lo tengo tan interiorizado que me sale sin darme

cuenta. A veces está el boricua, el colombiano…

Pero siempre tengo presente mis raíces y voy

agregando este toquecito español, que al final es

lo que me identifica.

¿Seguís en contacto con los artistas

con los que trabajaste?

Yo también me sorprendo mucho, cuando te vas

encontrando con personas en el camino y llegas

a colaborar con ellos, llevas la relación a un lado

más personal. Gente como 50 Cent, por ejemplo,

que me brinda su amistad, para mí es una bendición

y lo valoro un montón. Es una de las personas

que más me sorprende y más me confirma el

refrán de “las apariencias engañan”, es de la calle y

es alguien realmente humilde.

¿Durante la cuarentena estuviste trabajando

desde tu casa?

En casa tengo de todo, estoy equipado. La producción

es una cosa que siempre me ha gustado,

era mi sueño tener mi propio estudio de grabación

en casa. Me sirve hoy en día para producir,

grabar y también para la producción de otros

artistas, que es algo que empecé hace poco. Estoy

todo el día ahí metido haciendo canciones.

¿Te gustó el riesgo en la escena del

auto en el videoclip de “Repetíamos”?

Así fue, tuvo su riesgo, pero al final mereció la

pena. Visualmente quedó muy potente y nos

gustó muchísimo. Me gustó mucho porque soy de

arriesgarme, de hacer las cosas yo mismo y tirar

para adelante.

¿Le dedicas mucho tiempo al baile?

Le dedico mi tiempo, sí, es una cosa que me gusta

y siempre me ha gustado. Es una forma adicional

de expresarme y en los conciertos siento que la

gente lo agradece y le da un plus importante.

El público en Argentina te está esperando…

Estoy deseando volver a Argentina, es un país

con el que siempre he tenido mucha conexión.

Me ha gustado mucho estar por ahí, me recuerda

mucho a Madrid y la gente tiene una vibra brutal.

El asadito, dulce de leche, el mate… Además, hay

grandes artistas y tengo muy buenos amigos por

allí.

¿Tienes presente la escena urbana

nacional?

Me siento muy contento por lo que está pasando

en la Argentina con el panorama urbano. Está saliendo

una cantidad de artistas con un flow brutal

y disfruto mucho viendo los nuevos talentos que

emergen, es digno de admirar.

¿Dirías algún nombre?

Justamente hace un mes estuvo en mi casa L-Gante,

que es un artista que me gusta, su flow y la personalidad

que tiene sobre todo. Me sorprendió la habilidad

que tiene para escribir los versos tan rápido. Es

uno de los artistas con los que se puede venir algo

próximamente, es más, dejamos algo grabadito en el

estudio que ojalá pueda ver la luz pronto.

FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC


Rosevalley Productions,

la productora audiovisual asociada a

Billboard Boliva

Nuestra meta: Descubrir y producir nuevos talentos bolivianos con el potencial de traspasar fronteras.

¿Cantas en español o en inglés? ¿Eres compositor, músico profesional (de estudio y de concierto), modelo o actor?

¿Necesitas videos musicales, quieres grabar tus canciones con calidad internacional

o precisas de una poderosa plataforma de lanzamiento?

Entonces contáctate con nosotros:

www.rosevalleyproductions.com

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DANNY OCEAN

“Me di cuenta del poder que tiene escribir

desde el corazón”

El artista venezolano lanzó recientemente “Tú no me conoces” junto a TINI.

POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

En 2016, “me rehúso” cambió la vida

de Danny Ocean de la noche a la mañana.

El cantautor venezolano abrazó el éxito

con calma y editó su primer álbum en marzo del

2019. Ahora, comienza una nueva etapa camino

al sucesor de 54+1 con su segunda colaboración

oficial: “Tú No Me Conoces”, junto a TINI. El

artista ya había colaborado con la artista colombiana

Karol G en “Miedito o Qué?”. El reto más

grande de Danny luego de “Me Rehúso” fue separarse

de su creación y seguir adelante: “Como un

bebé que se fue de su casa, ya tiene hijos y familia,

y tú tienes que seguir cultivando en tu casa. Cada

canción tiene su propio camino y el tiempo va a

determinar tu marca y tu nombre”, comparte.

Lo más importante, el hit le indicó el camino

más noble: la honestidad. “Me di cuenta

del poder que hay cuando uno escribe desde el

corazón”.

¿Cómo te sentís con el lanzamiento?

Increíble. Es una locura, salió con mucho poder.

Es mi segunda colaboración oficial de mi música.

Estoy feliz de haberla hecho con Martina, tenía

un año la canción. Fue muy orgánico. Nos conocemos

hace tres años y siempre decíamos de hacer

algo. Hice la canción en México, se la mandé,

le gustó y salió. El timing fue perfecto también,

no esperaba estar aquí para el lanzamiento.

¿Por qué TINI?

No sé, imaginé su voz ahí. Sentí que era un

universo donde encajábamos los dos. La canción

habla de la libertad del amor, de lo rico que es

un amor libre, de la verdad, de poder decir en

la comunicación. Sentí que era bonito, un tema

que podíamos compartir. Ella podía decirme con

confianza si le gustaba o no y le gustó mucho.

¿Qué significa Argentina para vos?

Cada vez que vengo a Buenos Aires descanso.

Duermo, me reseteo, estoy en paz, me siento

tranquilo. Caminar por Palermo me hace sentir

en paz. Tengo muchos amigos acá, pero también

me siento bien solo. Me siento conectado con la

gente, más allá de la diferencia cultural, siento

que somos personas de carácter fuerte. Buenos

Aires es una de las ciudades con más flow de Latinoamérica.

Más allá de lo cultural, es la paz que

me da. Ver la gente aquí, la vida cotidiana, cómo

pega el sol, es especial. Aquí me siento tranquilo.

Vivo en Miami y allá es todo muy agitado, aquí

está eso también, pero es más tranquilo, artístico.

No sé describirlo y me encanta, si te lo dijera con

exactitud perdería un poco la magia.

En tiempos en los que las canciones

expiran con mayor velocidad, “Me Rehuso”

continúa creciendo…

No sabía lo que estaba creando, nunca lo supe.

Hasta el sol de hoy estoy impactado por todo lo

que ha logrado esa canción. Cumplió cinco años

el mes pasado y sigo recibiendo mensajes, videos,

comentarios de gente que ha conectado y es mágico.

Es mágico cuando una canción sobrepasa las

barreras que no habías esperado nunca. Porque

para mí siempre fue una canción personal. “Me

Rehúso” me cambió la vida, me cambió la vida de

la noche a la mañana. Hoy sigo preguntándome

qué pasó, qué fue y no se puede explicar. Creo

que cuando una canción conecta, conecta. Esa es

la magia de la música

¿Hacés música por eso?

Sí. Mi música está muy conectada con lo que yo

vivo personalmente. Necesito vivir para escribir.

Cuando estoy escribiendo, no estoy pensando en

si va a llegar al palo o no, simplemente pienso en

cómo me siento y después le busco la vuelta, si es

funcional. Con “Me Rehúso” el timing fue clave,

también el verbo, no es nada típico. Y, al final

de todo, veo que fue algo honesto. Me di cuenta

del poder que hay cuando uno escribe desde el

corazón. No estoy pensando si va a ser funcional

a la discoteca o no, en mi cabeza quiero que sea

lo más cercano a lo que yo sienta. La practicidad

y comercialidad está después, la semilla es lo más

importante.

FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC


T1419

“Queremos salir a conocer a

nuestros fans en persona”

La banda cuenta con una tropa de seguidores en el mundo a los que

bautizaron oficialmente con el nombre de “Edelweiss”.

El grupo juvenil masculino de

K-pop T1419 regresa más fuerte que

nunca con nueva música. Luego de

su debut musical con “Before Sunrise

Parte 1- Asurabalta”, seguido del tema “Before

Sunrise Parte 2- Exit”, lanzaron “Before The

Sunrise Parte 3” -“Flex”. T1419 se destaca por la

diversidad cultural que existe entre sus integrantes:

cinco son de ascendencia coreana y cuatro

son japoneses.

“Flex” fue co-escrito por Bull$Eye y Keepintouch,

ambos han trabajado en conjunto con

el grupo desde sus inicios. Contiene fusiones

de EDM (música house) y Hip-Hop toma un

giro drástico de música clásica al incorporar el

sampleo del famoso “Sonata de Piano No. 8 de

Beethoven” para luego volver a implementar

EDM y Hip-hop. El tema representa, un mensaje

profundo sobre el amor propio y sobre tomar

conciencia de uno mismo. La banda ha sido destacada

por íconos latinos como Daddy Yankee

y Natti Natasha. Además, presentaron “FLEX”

por primera vez en su debut televisivo en América

Latina, para la 2da edición de los Premios

MonitorLatino.

¿Qué tal se llevan con las vibras latinas?

A veces escuchamos la música. Creemos que es


una buena experiencia, nos gusta mucho. Nos

gustan las vibras, mucha gente la conoce más

ahora por aquí.

¿Tienen influencias del dubstep en la

música, en “Flex”?

Nuestra canción está muy influenciada por el pop

de otros países.

¿Están listos para vivir esta vida de montaña

rusa con el tour?

¡Por supuesto! Siempre soñamos con salir de gira,

visitar Latinoamérica es un sueño y estamos muy

felices de ir. Creemos que la vida de montaña rusa

de los shows nos va a gustar porque queremos salir

a conocer a nuestros fans en persona. Creemos

que los fans latinos nos dieron el amor y la fuerza.

Por eso sigue nuestra pasión. Todo lo debemos a

nuestros fans.

¿Cuánto de artes marciales hay en su

música?

Hay un montón de artes marciales en nuestro

sonido y nuestras presentaciones. Pasamos

numerosas horas y años hasta llegar acá como

artistas de K-pop. Hay mucha preparación y es

más que “artes marciales”, abarca muchos aspectos

más.

¿Esperaban este crecimiento? Esa

unión…

Pensamos que en la cultura esta música nos hace

uno.

¿Trabajan en proyectos de gaming?

Estamos muy interesados en las nuevas tecnologías

y diversas iniciativas. Estamos buscando

unirlas con nuestros proyectos, como por ejemplo

estar con los fans sin estar físicamente con ellos.

Queremos participar más en proyectos de esa índole.

Creemos que la música se relaciona mucho

con el gaming y los fans lo hacen también. Queremos

usarlo como un modo de llegar a nuevos

fans también.

¿Qué es lo mejor de su fandom?

Estamos honrados de tener muchos fans en otros

países, sobre todo a los que no podemos ir. Su

pasión sigue intacta y eso es increíble. Lo más

sorprendente es tener muchos fans en muchos

países, nos gustaría decirle a cada uno lo mucho

que los amamos.

¿Creen que en el futuro todos vamos a

tener un solo lenguaje?

Son difíciles los idiomas, sí. El español es difícil,

pero suena interesante y nos interesa mucho la

cultura Latinoamericana, así que algunos aprendemos

español. También, creemos que el idioma

global es la música.

¿Por qué T1419? ¿Qué sucede antes del

amanecer?

Es por “Teenager 1419”. Contamos historias en

música y acá hablamos de las dificultades del

crecimiento de la adolescencia, las complicaciones

del mundo. Es el nombre del álbum porque

siempre está oscuro antes de que sale el sol. Estos

álbumes quieren hablar de historias de crecer,

volverse adultos. La oscuridad del mundo antes

del amanecer.

FOTO: GENTILEZA NEVAREZ PR


ALEJANDRO SANTAMARÍA, OVY ON THE DRUMS Y ADSO

“Para nosotros ha sido increíble”

“Se Fue” es una composición de los tres artistas junto a Keityn, quien ha sido la

mente detrás de algunos éxitos como “TUSA” de Karol G, “HAWAI” de Maluma y

“QUÉ MÁS PUES?” de J Balvin y María Becerra, entre muchos otros.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

La letra de “se fue” habla del

amor no correspondido, cuenta la historia

de una relación que termina porque

no funcionó y en la que no hay marcha

atrás. Ovy On The Drums también fue el productor

de la canción y Mosty el encargado de la mezcla

y masterización.

En este tema, el colombiano Santamaría retoma

beats urbanos combinados con el pop, resaltando

la versatilidad para combinar letras y nuevos

sonidos. En el video oficial los artistas son los protagonistas

presentando a cada uno en su entorno

cotidiano, mostrando un poco del backstage y desarrollando

en varios escenarios lo que es el día a

día de su trabajo, incluyendo el cariño que tienen

con sus fans. El video fue grabado en la ciudad de

Medellín, bajo la dirección de Kath Díaz y la productora

2Wolves Film.

Santamaría recientemente se conectó con sus

seguidores en un concierto exclusivo para Tik-

Tok. El artista fue nominado en los Latino Music

Awards 2021 en la categoría “Artista Revelación

del Año” y ya suma varias nominaciones ratificando

el ascenso que ha venido desarrollando su

carrera musical. El cantautor colombiano ha compartido

escenario con artistas de la talla de Alejandro

Sanz, Luis Fonsi, Fonseca, Morat, entre otros.

“Para nosotros ha sido increíble. El tema salió

hace muy poco y la verdad es que le está yendo

muy bien. Han ocurrido un par de cosas que cambiaron

mi carrera, como salir en Times Square,

por ejemplo”, dice Alejandro Santamaría.

Adso, felicitaciones por tu colaboración con

Rusherking y Micro TDH también. Cuánta conexión

que hay entre Latinoamérica…

Adso: Es un remix que la gente estaba pidiendo

mucho. Literalmente quise hacerlo con un amigo

de la infancia que es Micro TDH, es alguien súper

talentoso. Después nos metimos en el terreno argentino

que es súper fuerte y súper leal, llamamos

a Rusher, que para mí es uno de los más rudos de

la nueva camada.

¿Cómo nace la canción?

Ovy: La idea principal nace en mi estudio una tarde.

Mi equipo estaba hablando con el de Alejandro

para hacer una canción y sentí que esta era la

adecuada para hacerlo. Fue increíble la participación

de Adso porque le sumó demasiado. Los tres

pudimos hacerle un coro muy bueno con nuestras

voces y lo catalogaría como un Pop con una increíble

propuesta musical.

¿Qué pueden contarnos acerca del

videoclip y todas las referencias cinematográficas

que tiene?

Alejandro: Me acordé de una anécdota que nos

pasó con el “borrador de memoria” de Men In

Black. Había entendido que tenía que apuntar el

láser a la cámara y todo el mundo me gritó para

que frenara porque si tocaba el lente, chau cámara.

En post producción tuvieron que agregarle el láser.

¿Ovy el público se sorprendió con tu

faceta como cantante?

Ovy: Me han llegado comentarios de la gente y de

colegas que me dicen que cada vez lo hago mejor.

Es una nueva etapa de Ovy On The Drums en la

que empezamos a cantar así que estamos desarrollándola

de a poco.

¿Cómo recuerdas tu show en TikTok

Alejandro?

Alejandro: Era muy necesario y gracias a Dios

han aparecido shows como ese, donde estuvimos

con un gran equipo de producción y cámaras profesionales.

Hubo casi 14 mil personas conectadas

y siento que estuvo brutal. Ahora ya estamos buscando

eventos en vivo, estoy haciendo una gira de

colegios junto a una emisora de Colombia, estamos

retomando que es lo más importante.

FOTO: GENTILEZA ALEJANDRO SANTAMARÍA


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FOTO: POPI GRAÑA

MARAMA

“Queremos hacer canciones

con artistas de otros géneros”

Después de un tiempo de separación y con la pandemia de por medio,

el grupo regresó para “volver a la alegría de los veranos 2015, ’16 y ’17” –

años en los que lograron más de 1000 millones de streams con

“Loquita”, “Nena” o “Noche Loca”.


Ya no llora” fue la canción elegida

para su regreso después de cuatro

años y a día de hoy ya cuenta con más

de 10 millones de reproducciones en

su canal oficial de YouTube y logró llegar al Top

10 del Billboard Argentina Hot 100.

Además, también confirmaron el comienzo de

su gira por Latinoamérica, que tendrá lugar en

el Antel Arena de Montevideo el 17 de diciembre.

Con motivo de su regreso, la banda pasó por

nuestros estudios para hablar sobre la producción

hoy en día, el respeto hacia la cumbia y el destino

de Marama como grupo.

¿Quiénes fueron los primeros que llamaron

para el regreso?

El regreso de Marama está pensado desde principios

de este año. Los chicos seguían tocando junto

a Agustín en su carrera solista, yo era el único

que no estaba haciendo nada referido a la música.

Me llamó Agus y me habló sobre el proyecto para

ver si quería volver.

Agus, ¿qué diferencia hay entre ser solista

y sentir la compañía de la banda?

Agustín: La principal diferencia es la toma de

decisiones y la compañía que uno puede tener.

Salimos todos juntos, siento que es mucho más

divertido también. En cuanto a las decisiones,

le da un aire a Marama distinto, es una lluvia de

ideas y funciona muy bien.

¿Cuánto riesgo había en cuanto a la elección

del sonido de “Ya No Llora”?

Agus (productor): Riesgo había muchos. Estuvimos

toda la pandemia pensando en si íbamos a

jugar al Marama de antes o buscábamos la innovación

manteniendo lo clásico. Hasta hace dos

o tres meses no lo teníamos claro. Tomamos la

decisión de ir por lo clásico y con pequeños sonidos

que uno escucha y ya son característicos. No

queríamos perder la identidad.

Mati, ¿pensaste en algún momento que

se habían olvidado de ustedes?

Matías: Hablábamos siempre sobre los temas

que tenemos y realmente le tengo mucha fe.

Agus, ¿cuán grande fue Marama previo a

la cuarentena?

Agustín: Si bien lo manejamos bastante bien,

siento que nos sobrepasó en un punto. Fue un

cambio de vida para todos. Tan fuerte fue que

nuestros planes de acá a un futuro es vivir de la

música para siempre. Siento que la banda se solidificó

y consolidó tanto que nos va a permitir trabajar

de esto por muchos años. Nuestra vida está

dedicada a la banda, 100%.

¿Cómo recuerdan la época donde Marama

era protagonista?

Fue una evolución. Fue el camino de la música

en español. En 2016 la cumbia todavía no estaba

consolidada, luego se fue consolidando y esto fue

muy bueno.

¿La cumbia hoy tiene más respeto?

Creo que sí, mucho más respeto. Incluso a nuestras

vidas personales pasó eso. Gente de otro palo

en Uruguay que decía: “Estos tocan tres acordes y

ya está…” Cuando se llega al Luna Park o a Viña

del Mar, la gente te empieza a respetar un poco

más.

¿Sienten que globalizarse es más posible?

Agustín: Sí, sobre todo porque la idea de Marama

en esta nueva etapa es hacer canciones con artistas

internacionales de otros géneros. Todavía no

hicimos feats ni mezclamos géneros y sentimos

que puede ser interesante sumar artistas de otro

palo, cualquiera sea. Escuchar a María Becerra,

Tiago o Duki cantar una canción de Marama sería

muy interesante por poner un ejemplo.

¿Los artistas en Uruguay siempre estuvieron

presentes al igual que hoy?

Uruguay mira a la Argentina y Argentina mira a

Estados Unidos o Norteamérica. Es una cadena

que es fantástica y que siempre pasó. Hoy en

día está más fuerte. La realidad también es que

Marama en un montón hizo parte de esa globalización

de la música uruguaya. Hoy por hoy,

artistas en Uruguay hay muy buenos y está muy

bueno que se empiecen a integrar. Es un mercado

muy chiquito y quizás por eso también venimos

a la Argentina. Nos sentimos parte de esa

responsabilidad.

¿Cuánto Rock & Roll tiene o ha tenido

Marama?

Tuvo y sigue teniendo. Al principio quizás no tanto

pero cuando se empezó a crecer ya se agregó a

las rutinas, giras y shows.

Agus, ¿qué pasó con el regreso de Marama para

vos y tus fans?

Agustín: Aunque no lo crean, hay mucha gente

que no estaba de acuerdo con la situación porque

se iba a sumar fandom del “exterior”, como ellas

lo dicen. Es una sensación extraña porque las fans

son casi una familia virtual. Tuvimos que charlar

con ciertas personas que quizás no entendían

bien la situación pero entendieron que si algo me

hace feliz, lo tengo que hacer.

¿En qué festival entraría Marama?

No sabemos si festivales, pero hemos estado en

España y diferentes ciudades recorriendo así que

diría que eso sería lo ideal, pasar uno o dos meses

recorriendo mientras tocamos.

BILLBOARD.BO

69

FUEGO

“El mundo necesita trabajar en

equipo para llegar al éxito”

Recientemente presentó una nueva versión de su éxito “Una Vaina

Loca” junto al artista argentino, Duki, y a Manuel Turizo.

Miguel ángel durán, conocido

artísticamente como Fuego es hijo

de padres dominicanos y comenzó

su carrera musical en el 2005, donde

se presentó con su canción “Me Gustan Todas”.

A lo largo de estos años, el cantante no solamente

se ha dedicado a presentar canciones, sino

que también fundó su propio sello discográfico:

Fireboy Music. Dentro de esta compañía, Fuego

presentó en 2010 su álbum La Música Del Futuro,

que debutó en el puesto Nº36 del Billboard

Top Latin Álbums – esta producción le valió la

nominación al Premio Lo Nuestro 2011 a Mejor

Artista Urbano -. Meses más tarde llegaría lo que

se considera hoy en día como su más grande hit:

“Una Vaina Loca”, el primero de sus singles en superar

los 20 millones de reproducciones en You-

Tube. “Esa canción fue la que me llevó a cantar


por toda Sudamérica y Europa. Imagínate, solo

para grabar el video oficial estuvimos tres días sin

parar de cantarla una y otra vez”, afirma. Este año,

esa canción volvió a decir presente, pero esta vez

junto a Duki y Manuel Turizo. La versión remix

ya superó los 20 millones de reproducciones en el

canal de YouTube del artista.

¿Llevas la cuenta de cuántos años de

carrera tienes?

Más o menos. Hacemos música, lo que amo hacer,

hace 15 años.

¿Cuál es la diferencia principal entre la

nueva generación y el momento cuando

empezaste?

Hay muchas más herramientas para promocionar,

sacar música, producir… Antes era más difícil

porque era todo físico. Las plataformas ayudan un

montón, permiten la conexión y la difusión mucho

más rápido.

¿Cómo te mantuviste durante el paso

del tiempo?

Creo que existe una evolución. Intento que mi

música evolucione, no soy un enamorado de ningún

tiempo. Eso me mantiene a mí innovando me

parece, porque a lo que todos le dicen “género”, yo

lo veo como pistas, ya sea de cumbia, reggaetón,

trap…

¿Cómo fue la elección tanto de Manuel

como de Duki en “Vaina Loca”?

La música de Manuel siempre me ha gustado,

me volví su fan desde el momento que compartimos

escenario en un show hace algunos años.

Con Duki tenemos una relación más de amigos,

compartimos mucho tiempo en el estudio y hemos

hecho varios trap juntos, incluso un EP que

nunca salió. Para mí es uno de los top tres de mis

artistas favoritos en la música urbana.

¿Crees que la bachata está en un momento

de renovación?

Pienso que es el momento de sacar ese tipo de

música bailable, bachata, dembow, la propia “Vaina

Loca”… La bachata con trap tiene la particularidad

de poder usarse en fiestas, clubs y todo tipo

de ámbitos, eso es lo bueno de este tipo de música.

¿Sentís que el artista hoy en día es 360?

El artista es todo ahora mismo. Estamos en un

momento donde la independencia vale mucho

más que antes. Para los artistas que quizás están

pensando en hacer negocios, quiero decirles que

es el momento más fácil para ser independiente y

promocionar su música.

¿Hasta qué grado podés delegar los

beats y la composición?

La música siempre se hace en equipo, ya sea compositor,

productor, el cantante o quién sea. En mi

caso particular, me gusta que la mezcla la haga

Kevin, sé que lo hace muy bien, me encanta y se

lo dejo a él. Pienso que todo el mundo necesita

trabajar en equipo para llegar al éxito. Un hitazo

se hace al trabajar con más gente y que cada uno

cumpla su papel.

¿Cuándo verá la luz tu próximo álbum y

cómo estás organizando tus giras?

En el 2022 quiero ir para la Argentina y para España.

Estamos hablando para poder hacer todo

y además estoy trabajando en mi álbum de trap

y hip-hop. Estoy haciendo otro remix de otra

canción antigua mía con varios exponentes de

RD y demás países. Quiero sorprender con más

remixes.

¿Por qué estás revalidando tu catálogo?

Hay gente que no las ha escuchado, eso primero,

pero también quiero volver a hacerlas con el sonido

de este 2021, aunque sin perder la esencia.

FOTO: GENTILEZA FUEGO



FOTO: GENTILEZA BMG

Duran Duran / Nick Rhodes

“Future past es de lo más

ecléctico de nuestra carrera”

El tecladista de la banda habló con Billboard Argentina sobre su próximo disco, el futuro

de la histórica banda inglesa y recordó sus shows en Buenos Aires.

POR WALTER GARRÉ Y BENJAMÍN GARCÍA

El 22 de octubre duran duran hizo

público Future Past, decimoquinto álbum

de la banda. El disco, que se vio interrumpido

por la pandemia, cuenta con la producción

de Giorgio Moroder ,Erol Alkan y Mark Ronson,

y con invitados especiales como el guitarrista de

Blur Graham Coxon; Mike Garson, pianista histórico

de David Bowie; y Lykke Li, quien aportó su

voz en algunas canciones.

“El año pasado con la llegada del virus tuvimos

que freezar la producción. Eso nos permitió mirarla

con otros ojos, tomar distancia, tener una

visión más amplia y cambiar algunas decisiones”,

afirma el tecladista Nick Rodhes, uno de los fundadores

del grupo surgido a fines de los setenta en

Birmingham. El músico reconoce que a pesar de

todos los problemas que trajo el virus, musicalmente

el parate les aportó una energía positiva que

les permitió pulir mejor la producción del álbum.

Con Future past, los creadores del mega hit mundial

Ordinary World, que alcanzó el puesto número

1 en el ranking Billboard de Estados Unidos, volverán

a las bateas y a las plataformas digitales con un

disco de estudio, el sucesor de Paper Gods, de 2015.

¿Cómo hacen para mantener la esencia

sin repetirse?

Es difícil. A nosotros particularmente siempre nos

gustó cambiar un poco las cosas. Cada vez que encaramos

un nuevo proyecto nos gusta probar nuevos

caminos, pero sin perder el estilo y el sonido

que nos caracteriza. No nos gustaría que el público

diga que nuestras canciones son todas parecidas.

Por eso siempre intentamos cosas nuevas.

¿Qué buscaron en las colaboraciones?

En el disco hay de todo. Por ejemplo “Falling”

tiene algo de música clásica y un poco de jazz, es

algo dentro de todo nuevo para nosotros. También

tenemos algunas canciones con un sonido más

electrónico y bailable, producidas por Giorgio

Moroder. En “Hammerhead”, nos fuimos más para

el lado del rock groovero, aunque también hay rap.

Y después tenemos a “More joy”, que parece una

canción sacada de un videojuego. La hicimos con

Chai, una banda punk de chicas japonesas.

¿Ya habían trabajado con Giorgio

Moroder?

Nunca lo habíamos hecho juntos. Es un músico

y productor completamente admirado por nosotros.

Fue un lujo en vida y un sueño hecho realidad.

Estamos muy contentos con toda la gente

que se sumó a este proyecto. Siempre es positivo

y enriquecedor compartir música con colegas que

uno admira.

¿Es uno de los discos más innovadores

de su carrera?

Posiblemente sea uno de ellos. También es uno

de los álbumes más eclécticos de nuestra historia.

Logramos que al escucharlo sea impredecible.

¿Recordás la última vez que tocaron en

Argentina?

Si, fue la tardecita en el marco del festival Lollapalooza,

de 2017, en Buenos Aires. Fue un show

increíble para nosotros, el público sudamericano

es fantástico, pero el mejor de todos sin dudas

es el de Argentina. Cada vez que tocamos haya

quedó impresionado, tienen algo en la sangre que

no lo tienen en otros países. Recuerdo que por la

cucaracha sentía un ruido particular y a medida

que iba a avanzando el show me di cuenta que era

el público. Cantaba todas las canciones, eran una

especie de orquesta de Duran Duran, eso no se

encuentra muy seguido.

¿Cuándo creen que volverán a tocar en

Argentina?

Si todo sigue bien en el mundo calculo que

el próximo año. Los extrañamos así que nos

encantaría volver cuanto antes a Sudamérica y

particularmente a Argentina. Son uno de los

primeros en la lista.

¿Cómo influye la emoción del público

en el vivo?

Amamos ver al público divirtiéndose. Es lo que

más nos pone felices. Cuando pasa eso en un show

nos damos cuenta que nuestras canciones llegan al

corazón de la gente. Y si podemos lograr eso para

nosotros ya es un éxito. Es lo que más nos llena.

¿Cómo vivieron la vuelta?

Fue espectacular, nos habíamos olvidado de lo

increíble que es tocar en vivo para tanta gente.

En cada uno de los recientes shows notamos que

la gente está muy agradecida, mejor que nunca.

Tocamos en nuestra ciudad de origen y fue alucinante.

Yo, particularmente, tengo muchas ganas

de ir a ver un show en vivo, todavía no lo hice.

En los comentarios de sus shows

mucha gente destaca que la voz de

Simon (Le Bon) sigue intacta, ¿cuál es

el secreto?

La verdad es que no lo sé. Pero tienen razón, la

voz de Simon está sonando mejor que nunca.

Todos sentimos eso en la banda. Él es muy cuidadoso

con su voz, hace todos los calentamientos

vocales que existen, tiene talento y además les

pone mucha pasión a sus performances. Está en

un gran momento.

BILLBOARD.BO

73


Natalie Pérez y Guaynaa

“Hicimos ‘Tus Besos’ por puro

amor al arte”

Luego de presentar “Espaguetis” junto a Lisandro Skar, Natalie Pérez llega con su primera

colaboración internacional.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO Y JOSEFINA ARMENDÁRIZ

FOTO: GENTILEZA GABY JURADO

Detox”, “espeguetis”

y ahora “Tus Besos”.

En este nuevo single,

Natalie Pérez se vuelva

a desafiar a sí misma:

amplió sus horizontes sumergiéndose

en un reggaetón y fue más allá

de la Argentina al convocar al puertorriqueño

Guaynaa.

“Tus Besos” marca una primera

vez para ambos: por el lado de

Natalie, es su primera colaboración

internacional. Del lado de Guaynaa,

es la primera vez que se une a

un argentino en una canción. Todo

comenzó con un mensaje de Instagram

de la cantante y actriz al artista

puertorriqueño, quien viene de

sumarse a Sebastián Yatra en el hit

“Chica Ideal” y reversionar “Cumbia

a la Gente” con los míticos Ángeles

Azules. Sobre “Tus Besos”, Guaynaa

comparte: “hicimos esta canción

por puro amor al arte”. “Cuando

vaya a Argentina o cuando me vaya

de este mundo, quiero que una de

las canciones por las que me recuerden

sea esta”, agrega.

El sencillo fue producido y mezclado

por Nico Cotton y Mateo

Rodo y masterizado por Javier

Fracchia. La edición vocal estuvo a

cargo de Francesco Mazza y el charango,

violín y acordeón de Santi

Alvarado.

Guaynaa, fue un año movido:

colaboraciones con Los

Ángeles Azules, Sebastián

Yatra…

Guaynaa: Sí, qué te puedo decir.

Una época de reinvención. Gracias a

dios hemos logrado capitalizar y lo

más importante es que hemos crecido

como seres humanos. Gracias

por las felicitaciones y a Argentina

porque está siendo partícipe de

todos los logros que conseguimos.

Natalie, en “Detox” habías

probado nuevos géneros

como la rumba y la cumbia,

¿cómo te sentiste con este

reggaetón?

Natalie: Con este reggaetón suave,

como le digo porque hay hasta

violines en la banda sonora, me

sentí súper cómoda. Escucho todo el

tiempo reggaetón. Soy fan admiradora

de Guaynaa. Siento mucha

alegría, tomó mucho trabajo terminar

esta canción, que hoy estemos

charlando por ella, que se vaya a

presentar el video en una avant premiere

me hace sentir muy orgullosa

y agradecida.

Todo empezó con un mensaje

en Instagram, ¿no?

Natalie: Sí, el mensaje es el lei-motiv.

Pero bueno, hoy en día todo lo

hacemos por Instagram. Tu marca

de ropa preferida, el chico que te

gusta, yo llegué a hablar con Robbie

Williams por Instagram. Le escribí

a Guaynaa, no me respondió, le

volví a escribir, le mandé un video

con el piano y después activamos la

charla. Hoy es un hermano. Siento

admiración total por él, estoy súper

contenta.

¿Por qué Guaynaa?

Guaynaa: Quería que alguien

cantara la segunda parte de la

canción, sentía que tenía que romper

con algo. Es un poco a lo que

estamos acostumbrados ahora, que

alguien de otro estilo se sume a

darle otro sabor a la canción. Quería

que fuera un hombre, de estilo

rap, reggaetón. Soy súper intuitiva

y siempre me dejo guiar por eso.

Venía escuchando una playlist con

varias canciones de Guaynaa y me

gustó su vaina, su energía, que me

hacía bailar.

Guaynaa, en el videoclip te

vimos en la pantalla grande

y a Natalie mirándote,

¿cómo te sientes ahí?, un

Guaynaa actor importante

Guaynaa: Es mucho más de lo que

he pedido, mucho más de lo que

pensé algún día. Estoy agradecido

con la vida y creo que el agradecimiento

es una de las mejores

frecuencias de vibraciones en los

pensamientos para que el universo

atraiga el progreso. Estoy más que

agradecido con esto también, no

solamente porque es lo correcto,

sino porque estoy feliz con lo que

tengo, feliz de lo que estoy siendo

parte, de lo que está saliendo, de lo

que estamos promocionando. Me

tocó ser parte de esta canción muy

especial y una de mis canciones favoritas,

es real. Es una de mis Top 5.

Esperemos que el pueblo argentino,

latinoamericano y del mundo la

reciba de la misma manera.

¿Cuándo fue la última vez

que fueron al cine?

Natalie: Yo anoche, no voy a decir

la película porque era tan aburrida

que empecé a enviar emails. Por ese

lado, confío en las recomendaciones

de Lele, mi novia.

Yo a grabar el video, pero hace

mucho no voy. Extraño mucho la

situación de ir al cine, ojalá pueda

ir pronto.

¿Qué significa la canción

para cada uno?

Natalie: Estoy emocionada, a

punto de llorar casi. Después de

tanto trabajo, verlo materializado,

este momento de compartir. Fue

mucho esfuerzo, mucho deseo. Hoy

Guaynaa me da la mano, me abre la

puerta, comparte su talento conmigo

y me emociona.

Guaynaa: Compartir esta canción

con el pueblo argentino, que sea la

primera colaboración con Argentina,

me enorgullece mucho. Soy

un artista que se toma su tiempo,

me gusta hacer las cosas bien y con

calma. Voy para mi tercer año de

carrera y todavía no he sacado mi

álbum, pero me gusta hacer las cosas

bien. Estoy afilando cañones para el

cono sur y hoy llega esta propuesta

con todo el amor y cariño para Argentina,

es especial. Quiero ir y que

canten y coreen esta canción con el

corazón en la mano. No solamente

porque es mi primera colaboración

con un artista de Argentina, sino

porque nosotros hicimos esto por

puro amor al arte. Aquí hay un sacrificio

enorme, el equipo de Natalie,

Natalie, nosotros, estamos arriesgando

nuestras vidas. Cuando vaya

a Argentina o cuando me vaya de

este mundo, quiero que una de las

canciones por las que me recuerden

sea esta.

Natalie: Seguro te recibirá bien

Guaynaa, sos muy cálido. Tan cálido

como fiestero, que es todo lo que nos

gusta a nosotros.

¿Qué significa el beso para

ustedes?

Natalie: Primero, si un primer

beso funciona, probablemente

pueda funcionar compartir un

rato más después. Si hay buena

química, probablemente te veas

otra vez. A mí me encanta, soy re

besuquera, para mí los besos son

importantes. Por eso hicimos una

canción, imaginate si no nos gusta,

los besos son pura entrega y amor,

como esta canción.

Guaynaa: Para mí un beso significa

un intercambio. No solamente

de fluidos, sino de energía, de vibraciones,

de tensiones, de muchas

cosas. Cuando vas a darte un beso

con una persona, más allá de la

boca con boca, significa muchas cosas.

Si se da con la persona correcta,

tiene mucho efecto. Es un buen intercambio.

BILLBOARD.BO

75

A

ÁLBUMES DEL MES

Ed Sheeran

“=” (Equals)

El artista entregó la

cuarta edición de la serie

de álbumes con símbolos.

Con canciones compuestas

en un período de cuatro años

tras su álbum seminal ‘÷’ (Divide),

‘=’ muestra a Ed evaluando su vida y

sus relaciones a medida que explora

los diversos grados del amor (‘The

Joker And The Queen’, ‘First Times’,

‘2step’), de la pérdida (‘Visiting

Hours’), la resiliencia (‘Can’t Stop

The Rain’) y la paternidad (‘Sandman’,

‘Leave Your Life’), y también

procesa su realidad y su carrera

(‘Tides’). Compuesto y grabado en

Suffolk, Londres, Suecia y Los Ángeles,

el álbum cuenta con la producción

de Ed Sheeran, FRED – No.6

Collaborations Project – y Johnny

McDaid – Divide -, y con la composición

y/o producción adicionales de

Steve Mac, Joe Rubel, Amy Wadge,

Foy Vance, Elvira Anderfjard, David

Ho, Andrew Watt, Lou Bell, Natalie

Hemby y Ben Kweller. El hermano

compositor de Sheeran, Matthew,

también aporta arreglos de cuerdas

en ‘First Times’ y ‘The Joker And

The Queen’. Ed Sheeran comentó: “=

(Equals) es realmente un álbum personal

que significa mucho para mí.

Mi vida cambió en gran medida en

los últimos años: me casé, tuve una

hija, experimenté la pérdida y reflejo

todos estos temas en el álbum. Lo

veo como la obra de mi madurez y

estoy entusiasmado por compartir

este nuevo capítulo con ustedes”.

Don Toliver

“Life of a Don”

se trata del segundo

trabajo discográfico de

Don Toliver. El artista

fue distinguido por

Apple Music como Artista Up Next

y nombrado Rookie of the Year por

Rap Caviar de Spotify. Luego de su

mixtape debut de 2018, Donny Womack,

Don Toliver regresó a la escena

con la presentación de su segundo

álbum, Life Of A Don. El álbum

incluye colaboraciones con artistas

como Kali Uchis, Baby Keem, HVN,

SoFaygo y Travis Scott en los singles

“Flocky Flocky” y “You”. Con su gira

homónima con entradas agotadas en

la mayoría de las ciudades, Toliver

continúa su viaje por Norteamérica.

Recientemente convocó a la cantante

ganadora del GRAMMY Kali

Uchis para su single ‘Drugs N Hella

Melodies. Filmado en Medellín, Colombia,

el video dirigido por Nabil

Elderkin transmite un gancho musical

sobre la producción psicodélica

de Loshendrix [Kehlani, SZA],

DJ Dahi [Kendrick Lamar, Childish

Gambino] y Dylan Wiggins. El

mismo se basa en el guión dinámico

del video inicial dirigido por Nabil

Elderkin para ‘What You Need. Recientemente,

Don Toliver fue convocado

por Kanye West junto a Kid

Cudi para el single “Moon”, incluido

en su álbum DONDA.


Nicki Nicole

“Parte De Mí”

Consolidada como una

de las artistas más

influyentes de su generación,

el pasado 29 de

octubre Nicki Nicole presentó su

esperado segundo álbum. Parte De

Mí, un trabajo discográfico personal

y versátil, que cuenta con colaboraciones

con Rauw Alejandro, Trueno,

Bizarrap, Mon Laferte, Dread Mar

I, Snow Tha Product, Tiago PZK,

Delaossa, Mora, Ptazeta. Anteriormente,

Nicki había presentado

“Colocao”, “Mala vida”, “Verte” junto

a Dread Mar I y Bizarrap, “Toa la

vida” junto a Mora, “Me has dejado”

junto a Delaossa, “Pensamos” junto

a Mon Laferte, “Baby” y “Sabe”, su

aclamada colaboración con Rauw

Alejadro, producida por Evlay, Mauro

de Tommaso y Caleb Calloway,

y acompañada por un video oficial

dirigido por Gustavo Camacho.

Nicki se prepara para presentarlo

en el Teatro Gran Rex y gran parte

del país, en el “Parte de mí Tour”. El

lanzamiento de Parte de Mi fue una

celebración donde Nicki recibió un

galardón por haber superado los 350

millones de streams en plataformas

digitales, e interpretó con su banda

en vivo el hit “Mala vida” y sus lanzamientos

más recientes “Sabe” y

“Baby”. Sobre el álbum, la rosarina

dice: “Quiero que mi público se

sienta tan Parte De Mi como yo parte

de ellos. Somos la suma de momentos,

personas, lugares, miradas,

risas…todas las cosas que nos unen

y nos hacen quienes somos. Quería

que este álbum sea tan mío como

del público, que se puedan sentir

identificados con las canciones y

las sientan tan propias como yo las

siento. Ellos son en gran parte la razón

por la que estoy donde estoy”.

Coldplay

“Music Of The Spheres”

music of the spheres

incluye el single

“Higher Power”, que

fue reproducido por

primera vez desde la Estación Espacial

Internacional por el astronauta

francés Thomas Pesquet. Coldplay

se convirtió en la primera banda

británica en debutar en la primera

posición del Hot 100 de Estados

Unidos con su colaboración junto

a BTS, “My Universe”. La canción

acumula más de 100 millones de vistas

en YouTube. El lanzamiento del

álbum se produce un día después de

que la banda anunciara una masiva

gira mundial en estadios para 2022.

El listado completo de shows para

la gira Music Of The Spheres World

Tour puede encontrarse en el sitio

web de la banda.

La banda también lanzó un nuevo video

lyric para la canción central del álbum,

“Let Somebody Go”, con letra escrita por

Chris y la cantante invitada

Selena Gómez.

BILLBOARD.BO

77


La coronación del rey

Zeppelin

Es cierto que hay discos que marcan un antes y un después en la historia de una banda. Y si bien para la

época en que salió su cuarto álbum, Led Zeppelin ya era una fuerza reconocida en el mundo del rock,

el famoso “disco sin nombre”, al que muchos llaman Led Zeppelin IV y otros Zoso - debido a uno de los

misteriosos símbolos de su portada - le dio al cuarteto de Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John

Bonham una popularidad y un prestigio ecuménico sin precedentes.

Por Alfredo Rosso

El cuarto álbum

de Led Zeppelin se

empezó a grabar en

diciembre de 1970, en

Londres, en los estudios

Island pero, después de Navidad,

los cuatro músicos se mudaron a

la mansión de Headley Grange en

Hampshire, donde ya habían grabado

parte de Led Zeppelin III, y una

vez más alquilaron el estudio móvil

de los Rolling Stones para registrar

las sesiones. A Jimmy Page le gustaba

especialmente esta mansión de

tres pisos un tanto venida a menos,

porque era cómoda y, además, tenía

una atmósfera especial No todos

opinaban igual: al cantante Plant y

al baterista Bonham el lugar les daba

ciertos escalofríos y el técnico Andy

Johns estaba convencido de que la

casa estaba embrujada. Pero nadie

podía negar que tenía una acústica

impresionante. El álbum se completó

en febrero de 1971, pero hubo

problemas con la mezcla realizada en

Los Angeles y debió re mezclarse en

Londres, lo cual demoró la edición

hasta fines de año.

Led Zeppelin decidió, a propósito,

dejar el disco sin un nombre específico

y no poner información alguna

en la portada.; ni nombre del grupo,

ni títulos de temas, nada. A la gente

de la grabadora le dio un colapso

nervioso. ¿Acaso querían cometer

un suicidio comercial? Led Zeppelin

les respondió que querían apoyarse

exclusivamente en la música. La tapa

mostraba una pared derruida en la

que colgaba un simple cuadro de un

anciano llevando un hato de leña al

hombro. Jimmy Page explicó más tarde:

"el anciano está en armonía con la

naturaleza. Es el Ermitaño de las cartas

de Tarot. Un símbolo de auto-suficiencia

y de sabiduría mística."

Robert Plant intentó aclarar la

cuestión de los cuatro misteriosos

símbolos que adornan el álbum diciendo:

"El mío tomó como modelo

símbolos sagrados de la antigua civilización

Mu, que existió hace 15.000

años como parte de un continente

perdido en el Océano Pacífico, entre

China y México. Muchas cosas

pueden vincularse con la civilización

Mu, incluso las efigies de la Isla

de Pascua.” El símbolo de John Paul

Jones, segundo de la izquierda, viene

del "Libro de los Signos", de Rudolf

Koch, y se dice que representa a

una persona hábil y confiada en sus

fuerzas. El de John Bonham podría

representar la Trinidad o la trilogía:

el hombre, la mujer y el niño. El de

Page, hasta el día de hoy está rodeado

de misterio. Parecen cuatro letras que

forman la palabra Zoso. Los astrólogos

dedujeron que su símbolo sugiere

una persona reservada, ansiosa por

encontrar el conocimiento, la verdad

y la sabiduría interior.

El álbum comienza con "Black

Dog", uno de los riffs más heavys de

Zeppelin, pensado por John Paul Jones,

quien también se hizo cargo del

arreglo, mientras que Page grabó no

menos de cuatro partes de guitarra.

Muchos se preguntaron si el título

fue inspirado por alguna extraña bestia

mítica pero la explicación parece

ser mucho más prosaica: fue bautizado

en honor a un perro amistoso que

daba vuelta por el estudio.

Una introducción de John Bonham

que se volvió clásica fue la de

platos y redoblante que inicia "Rock

And Roll". Fue inspirada por el tema

de Little Richard "Keep A' Knocking",

que Bonham empezó a tocar una tarde.

Page se plegó a la zapada y Plant

improvisó la letra en el momento.

Así, el tema que había empezado

como una broma adquirió personalidad

propia. La parte de piano pertenece

al llamado sexto Rolling Stone,

Ian Stewart, que había llegado con el

estudio móvil de los Stones para dar

una mano con las cuestiones técnicas

y ya que estaba, se sumó al tema.

"The Battle of Evermore" es una

pieza acústica inspirada en míticos

relatos de antiguas batallas. Una noche

en que el resto de la banda ya se

había retirado a descansar, Page su

puso a tocar la mandolina de John

Paul Jones y le fue saliendo la melodía.

Así como amaban la música

de Incredible String Band y de Roy

Harper, Plant y Page admiraban también

a Fairport Convention y habían

compartido escenario con ellos en

1970 en el club Troubadour de Los

Angeles. De esa amistad surgió la

idea de invitar a la cantante de Fairport,

Sandy Denny a cantar con Plant

en el tema.

Ese auténtico himno de Zeppelin,"Stairway

to Heaven”, fue estrenado

en vivo el 5 de marzo de 1971 en

Belfast, Irlanda del Norte. Cuenta, en

términos muy poéticos, la historia

de una dama que busca el perfeccionamiento

espiritual. Robert Plant

siempre fue un amante de la mitología

céltica y citó la obra de Lewis

Spence "Las Artes Mágicas en la Gran

Bretaña Céltica" como una fuente de

inspiración. Con su lento crescendo

folk, el exquisito solo de Page y

el final a toda orquesta, "Stairway…"

tenía todos los atributos dramáticos

de un hit. El verdadero impacto de la

canción, sin embargo, se sintió con

el paso de los años, al convertirse

en el tema más pasado por la radio

estadounidense.

Letras ensoñadas, con cierta onda

hippie, adornan las estrofas de "Misty

Mountain Hop", que abre el lado dos

en la versión de vinilo, destacando el

piano eléctrico de John Paul Jones.

"Four Sticks" fue escrito por Page

y Plant en la India, como parte de un

viaje alrededor del mundo que realizaron

en busca de sonidos étnicos.

Hay una intensa labor percusiva de

Bonham y el título alude a la cantidad

de palillos que utilizó para castigar

a su batería en la grabación.

Por su parte, "Going To California”

tiene una de las más atractivas

melodías de Plant y se dice que fue

influenciado por la cantautora canadiense

Joni Mitchell, a quien tanto

Plant como Page admiraban. Tomó

forma durante una zapada nocturna,

de madrugada, en Headley Grange.

Jones y Page se sentaron alrededor

del fuego del hogar y tocaron sus

mandolinas mientras Plant improvisaba

la letra.

Tres elementos sobresalen en el

tema que cierra el álbum,"When The

Levee Breaks": la imponente batería

de John Bonham, el sonido de la

armónica de Plant y el hipnótico riff

de guitarra de Page. Pero Bonham

no estaba satisfecho con el sonido

que le sacaba a su instrumento, hasta

que Page y el técnico Andy Johns

encontraron la solución: hicieron que

los asistentes instalaran la batería de

Bonham en el hall de Headley Grange,

mientras Johns ubicaba dos micrófonos

bien arriba del instrumento.

El sonido fue reforzado alimentándolo

a través de la cámara de eco de

la guitarra y "comprimiéndolo hasta

el hartazgo", según Johns. Así, el sonido

ominoso de la batería le dio al

tema ese tono monolítico de peligro

inminente, como de un dique a punto

de romperse. El tema original en el

que está basado es una antigua canción

de la cantante de blues Memphis

Minnie y su esposo, el músico Kansas

Joe McCoy, escrita en 1929 acerca de

la tremenda inundación que asoló el

Delta del Mississippi en esos tiempos.

El cuarto álbum de Led Zeppelin

apareció en el sello Atlantic, el 8

de noviembre de 1971 y a la semana

encabezó el chart del Reino Unido.

En Estados Unidos tuvo un éxito

espectacular pero, curiosamente, no

llegó al tope del ranking, deteniéndose

en el puesto 2. El disco llevó a Led

Zeppelin a un nivel de popularidad

sin precedentes en la historia de la

banda, y lleva vendidos hasta el momento

unos 40 millones de ejemplares

en todo el mundo.

BILLBOARD.BO

79

INFORMACIÓN DE LA SEMANA 20.11.2021

Key Glok

Yellow Tape 2

El rapero ha producido su álbum más

exitoso en el chart hasta el momento

(y su tercer top 10), ya que su último

lanzamiento lleva 36.000 unidades

vendidas de álbumes equivalentes en

los Estados Unidos en la semana que

terminó el 11 de noviembre, según

MRC Data.

POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES

Luke Combs

What You See Is What You Get

Dos años después de su lanzamiento,

el 8 de noviembre de 2019, el álbum

suma 3.5 millones de unidades de

álbumes equivalentes, alcanzó el

número 1 dos veces y aún no ha salido

del top 25.

Chris Stapleton

Starting Over

El álbum (17.000 unidades; un aumento

del 29%) se suma de nuevo en el chart

en su posición más alta desde el chart

del 13 de febrero (también No. 33).

Esto sucede luego del premio al álbum

del año que recibió por parte de la

Asociación de Música Country.

La leyenda del pop obtiene su álbum con

más alta posición en las listas de éxitos en

el Billboard 200 y el primer top 10, es que

“Voyage” debuta en el N° 2. El registro se

lanzó el 5 de noviembre y es el primer álbum

de estudio del cuarteto desde The Visitors

de 1981. Voyage comenzó con 82.000

unidades de álbumes equivalentes vendidas

en los Estados Unidos en la semana que

terminó el 11 de noviembre, según MRC

Data. De esa suma, 78.000 corresponden a

la ventas de álbumes, la semana de ventas

más importante para un grupo en 2021. A su

vez, Voyage es el álbum más vendido de la

semana y llega al número 1 en las listas de

álbumes de ventas principales y álbumes de

vinilo con 17.000 copias vendidas.

Hasta la llegada de Voyage, el álbum con

mayor ranking de ABBA en el Billboard 200 era The Album de 1978, que

alcanzó el puesto 14 en la lista del 22 de julio de 1978.

—KEITH CAULFIELD

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POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES

dos canciones saltan al top 10 de

Billboard Global 200, una de ellas

liderada por Post Malone (arriba)

y su primera colaboración con The

Weeknd, “One Right Now”. El sencillo

comienza en el número 9 con 37.8

millones de reproducciones y 16.700

descargas vendidas en todo el mundo

en la semana que finalizó el 11 de noviembre, según MRC Data, tras su

lanzamiento el 5 de noviembre. Post Malone obtiene su primer éxito en

el Top 10 de Global 200 y The Weeknd agrega su sexto.

Por su parte, el “Escape Plan” de Travis Scott debuta en el número

10 con 39,2 millones de reproducciones y 9.400 vendidas en todo el

mundo, lo que marca su tercera entrada en el top 10 en la lista. Lanzó

la pista el 5 de noviembre, justo antes de la noche de apertura de su

festival Astroworld en Houston, que terminó en tragedia después de que

las oleadas de multitudes resultaron en 10 muertes y cientos de heridos.

Mientras tanto, por segunda vez, y segunda semana consecutiva, desde

el lanzamiento del Global 200, los cinco primeros de la lista incluyen

exclusivamente artistas de fuera de los Estados Unidos. Los países de

origen de los actos: Inglaterra (Adele, Ed Sheeran, Elton John y Dua

Lipa), Australia (The Kid LAROI), Canadá (Justin Bieber) y Nigeria (CKay).

“La belleza de la música británica a lo largo de los años es que ha

abarcado muchos géneros”, dice Martin Talbot, director ejecutivo de

Official Charts Company, con sede en Londres, sobre el éxito de los

artistas británicos en los tramos superiores de la lista. “La naturaleza

multicultural de nuestra sociedad, con la inmigración de tantas partes

del mundo, incluido el Caribe, el Lejano Oriente, el norte, este y el sur

de Europa, África e incluso Irlanda, siempre ha contribuido a alimentar la

gran riqueza de nuestra cultura y nuestra música.” —GARY TRUST

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Billboard Bolivia Noviembre 2021

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